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Archivo de la categoría: Cultura

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Leiden (Países Bajos 🇳🇱), 15 de Julio de 1606 – Amsterdam (Países Bajos 🇳🇱), 4 de Octubre de 1669.

Rembrandt hoy es considerado acertadamente uno de los artistas más importantes de la historia, y sin duda uno de los pintores y grabadores más destacados de todo el Barroco. Dotado de una habilidad prodigiosa para el rretrato, Rembrandt también destacó a la hora de plasmar escenas bíblicas y mitológicas. Con el paso de los años y ya en la madurez, se convirtió en el maestro de otros grandes pintores neerlandeses de su época.

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El pintor en su estudio (1626 – 1628).

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Andrómeda (Circa 1630).

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Autorretrato con capa y ojos muy abiertos (1630).

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Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén (1630).

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El rapto de Europa (1632).

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La lección de anatomía del Doctor Tulp (1632).

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El descendimiento de la cruz (1633).

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La tormenta en el Mar de Galilea (1633).

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Retrato de Johannes Wtenbogaert (1633).

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Artemisa (1634).

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Retrato de Haesje Jacobsdr van Cleyburg (1634).

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El sacrificio de Isaac (1635).

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Saskia como Flora (1635).

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Saskia van Uylenburgh (Circa 1635).

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Sansón cegado por los filisteos (1636).

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Elefante (1637).

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El hijo pródigo en la taberna (Circa 1637).

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Noble polaco (1637).

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Paisaje con puente de piedra (1638).

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La ronda de noche (1642).

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Los tres árboles (1643).

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Sagrada Familia con ángeles (1645).

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Susana y los viejos (1647).

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El molino (1648).

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León (1650 – 1652).

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El hombre con yelmo dorado (Circa 1650). *En la actualidad este retrato es atribuido a su círculo de aprendices y no al propio Rembrandt.

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Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653).

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Las Tres Cruces (1653).

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El baño de Bathsheba, también Hendrickje, (1654).

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Alejandro Magno (1655).

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Buey desollado (1655).

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Jinete polaco (Circa 1655).

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Autorretrato (1659).

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Asuero y Hamán en la fiesta de Ester (1660).

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Titus, hijo de Rembrandt, vestido como un monje (1660).

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La conspiración de Claudio Civilis (1662).

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Los síndicos del gremio de pañeros (1662).

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El retorno del hijo pródigo (Circa 1662).

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La novia judía (Circa 1667).

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Autorretrato (1669).

 
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Publicado por en 7 junio, 2017 en Arte, Cultura

 

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Stavkirke, iglesias de madera

Stavkirke es una palabra noruega con la que se nombra a un tipo particular de templos cristianos medievales construidos de madera, anteriormente comunes en la Europa del Norte pero en el presente confinados casi exclusivamente en Noruega. Las más antiguas tienen edades superiores a los 800 años.

Durante la Edad Media, se construyeron inmensas catedrales de piedra en muchas partes de Noruega pero también se usó una técnica similar para construir en madera. Gracias al interés de los vikingos por la construcción de barcos y viviendas, la técnica y la tradición de la talla de madera se desarrollaron aún más, culminando el trabajo culminó con las stavkirke. Hay varios tipos de iglesias de madera, pero una cosa que tienen en común son los postes angulares (stav) y un marco de madera con tablones que se aguantan sobre soleras que a su vez se halla asentado sobre cimientos de roca, protegiendo a la madera de la humedad. La técnica relaciona a las stavkirke con el entramado de madera, y les confiere, además de resistencia a las condiciones climáticas, estabilidad y rigidez. Estas paredes se conocen como paredes stav, y de aquí el nombre de stavkirke. Las puertas y remates de madera de estas iglesias fueron bellamente talladas. Las decoraciones en el interior incluyen una interesante combinación de motivos cristianos y lo que se presume son temas Vikingos pre-cristianos con animales y dragones.

La planta de las stavkirke más sencillas se divide en una nave y un coro, mientras las más evolucionadas se asemejan a las basílicas románicas, con el techo escalonado y pilares en el interior de la nave. Esa similitud, además de la decoración escultórica y pictórica, ha hecho suponer que las stavkirke tienen sus orígenes en el arte románico, pero esta teoría no es compartida por varios expertos. En la actualidad, quedan en pie 28 stavkirke medievales en Noruega, una en Suecia y una más en Polonia (esta última de origen noruego). Entre las más conocidas figuran la Iglesia de Borgund, de espectacular diseño y la mejor representante del género, y la Iglesia de Urnes, probablemente la más antigua y un descollante ejemplo del arte decorativo nórdico, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Las stavkirke llegaron a ser comunes durante la Edad Media en el Noroeste de Europa. Sólo en Noruega, se considera que existieron en un número aproximado de 2000. El número de stavkirke construidas en otras partes de Europa y en Islandia se desconoce. Anteriormente, se creía que las stavkirke habían sido el primer tipo de templos cristianos construidos en Escandinavia, pero ahora se sabe de la existencia de una forma más antigua, las llamadas iglesias de postes, si bien las diferencias entre ambos tipos de templos llega a ser bastante pequeña. Las stavkirke fueron consideradas obsoletas desde la Edad Media y se reemplazaron casi en su totalidad. En Noruega, no fueron reemplazadas tan rápido como en otros lugares de Europa, y varias de ellas alcanzaron el Siglo XIX.

La materia prima más común para la construcción de las stavkirke fue la madera de pino (Pinus sylvestris). Para la construcción del armazón se utilizaron pinos bastante crecidos, cuyos troncos tuvieran un diámetro lo suficientemente grande y con abundante duramen en su madera. El duramen se halla impregnado de resina de manera natural, evitando la infección por agentes biológicos. En otros lugares se utilizaron otras especies vegetales. En Dinamarca, el norte de Alemania e Inglaterra se utilizó principalmente la madera de encino. La iglesia sueca de Hedared también fue construida con encino.

Algunos investigadores sugieren que las stavkirke son resultado de un intento de trasladar la arquitectura de las iglesias románica en piedra a la madera, pero esta teoría no ha resultado ser muy respaldada, ya que si bien existen elementos decorativos similares, el método de construcción es muy distinto. Una teoría respecto al origen de las stavkirke que parece más fundamentada es la que nos dice que muchas de estas iglesias fueron templos paganos en sus inicios o se construyeron sobre antiguos edificios de culto pagano, como es el caso de la Iglesia de Mære. 

Decoración de las stavkirke de Urnes y Tønjum e interior de la stavkirke de Borgund (Izquierda a derecha).

Las stavkirke se clasifican en dos tipos:

Tipo A: En la base de las iglesias Tipo A hay cuatro soleras sobre un cimiento de rocas poco profundo. Estas soleras están interconectadas entre sí por muescas y espigas en sus extremos, formando un marco cuadrado rígido. Los postes esquineros (stav) se cortaban en cruz en su extremo inferior, y la espiga resultante se colocaba sobre una muesca en cada esquina del marco de soleras. En el lado superior de las soleras hay un surco en el que están colocados verticalmente los tablones (veggtilene) de los muros a manera de cuñas. El armazón de la iglesia se terminaba con una solera superior (stavlægje) con un surco en su lado inferior, en el que se introducía el extremo superior de los tablones de los muros. Las soleras superiores sostienen la armadura del techo; ésta consiste de un sistema en tándem formado por un par de cabrios principales (taksperre), que dan la inclinación al techo y sostienen el travesaño, y un par adicional de vigas en tijera (saksesperre), que funcionan como puntales de los cabrios. Tanto cabrios como vigas de tijera parten de un mismo punto en la solera superior. Además, hay viguetas perpendiculares que conectan a cada cabrio con el del lado opuesto; el resultado es una especie de celosía bastante rígida. Las stavkirke de Tipo A se subdividen a su vez en tres subgrupos.

  • Sencillo. Tienen una nave rectangular y un coro más pequeño casi cuadrado. Fue el estilo más común en el siglo XII. Las stavkirke de Haltdalen y Hedared pertenecen a este tipo. Algunas de estas sencillas iglesias fueron derribadas en algún momento y reconstruidas en iglesias alargadas.
  • De poste central. Tienen en el centro de la nave un poste bastante largo que alcanza la armadura del techo. Esta variación está representada en Numedal y Hallingdal y data aproximadamente de 1200. Las únicas tres stavkirke de este tipo en la actualidad son Høyjord, Nore y Uvdal.
  • Alargado. Las iglesias alargadas tienen un plano rectangular con nave y coro de la misma anchura; regularmente, la nave ocupa dos tercios de la longitud total. Hay además postes intermedios en los muros. A diferencia de otras stavkirke, tienen viguetas sobre la nave, donde inicia el techo, como si formaran parte del armazón de un plafón. Pueden tener también puntales exteriores que conectan a los muros con el suelo del exterior, como las iglesias de Kvernes y Rødven (aunque no se sabe con certeza si sus puntales son originales).

Tipo B: Estas iglesias fueron llamadas anteriormente iglesias de tres naves para distinguirlas de las de Tipo A, de nave única. Esa denominación empleada, entre otros, por Lorenz Dietrichson, ha caído en desuso, pues implicaba que las stavkirke tenían una nave central y dos laterales, es decir, una disposición de basílica. Sin embargo, lo característico de las stavkirke con sala central es un deambulatorio (omgang), que rodea a la sala central (mitrom) por los cuatro costados, a diferencia de las naves laterales. En todo caso, las stavkirke muestran cierta similitud con las iglesias de planta central, con la diferencia que la sala central de las stavkirke es siempre rectangular. Sobre los cimientos de piedra hay cuatro gruesas vigas de madera (grunnstokker) que se cruzan entre sí y forman un rígido armazón en forma de un signo #. Cada viga se extiende entre 1 – 2 metros más allá del punto de intersección. Los extremos de las vigas sostienen las soleras de los muros exteriores, formando un marco cuadrado horizontal independiente del marco cuadrado central formado por las vigas gruesas. Los postes de la sala central se colocan en el cuadro central y son los encargados de sostener el techo elevado de la sala central. En el marco horizontal exterior de soleras reposan las cuatro paredes de tablones con sus postes esquineros, que son las que sostienen el techo bajo del deambulatorio que rodea a la sala central. Así, dando una impresión de basílica, el techo queda dividido en 2 niveles y la sala central y el deambulatorio permanecen divididos por hileras de postes a manera de pilares. Los postes de la sala también se conectan a las soleras superiores de los muros por medio de vigas, lo que le da a la iglesia rigidez lateral. Casi en la cima de los postes se insertan entre éstos las soleras superiores para soportar los muros de la sala central, que quedan en contacto con el exterior. En el extremo superior de los muros de la sala se coloca un tercer marco de soleras, del que parten las vigas del techo, en una disposición similar a las stavkirke de Tipo A. Las stavkirke de Tipo B se subdividen a su vez en dos subgrupos.

  • Grupo Kaupanger: Donde los postes de la sala central forman una arcada y su ornamentación, por ejemplo los capiteles, parece inspirada en el arte románico. Parte de este grupo son las iglesias de Kaupanger, Urnes, Hopperstad y Lom.
  • Grupo Borgund: En estas iglesias los postes centrales se interconectan entre sí a través de tirantes en forma de X («cruces de San Andrés»), que se distribuyen en la parte intermedia del alzado central. El nivel de las cruces se asemeja al triforio de las basílicas de piedra (sobre las cruces hay además un nivel de arcaturas decorativas, como en los triforios). Además, por abajo y por arriba de este «triforio» puede haber maderos horizontales en forma de cepos (tang) que mantienen rígidos a los postes. La rigidez resultante hace posible omitir la parte inferior de los postes de la sala, como sucede en algunas stavkirke donde sólo los cuatro postes esquineros se conectan con el piso (ver la imagen de la iglesia de Gol). Forman parte de este subgrupo las iglesias de Borgund, Gol, Hegge, Høre, Lomen, Ringebu y Øye.

Noruega 🇳🇴

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Iglesia de Borgund (Finales del Siglo XII).

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Iglesia de Flesberg (Circa 1200).

Iglesia de Fortun o Fantoft (Circa 1150, quemada el 6 de Junio de 1992 y reconstruida completamente en 1997).

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Iglesia de Gol (1212).

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Iglesia de Haltdalen (1170 – 1179).

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Iglesia de Heddal (Segunda mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Hopperstad (1140).

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Iglesia de Høre (1180).

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Iglesia de Høyjord (Segunda mitad del Siglo XII).

Iglesia de Kaupanger (1190).

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Iglesia de Kvernes (Segunda mitad del Siglo XIV).

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Iglesia de Lom (1158).

Iglesia de Nore (1167).

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Iglesia de Øye (Segunda mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Ringebu (Primer cuarto del Siglo XIII).

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Iglesia de Rødven (Circa 1200).

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Iglesia de Torpo (1192).

Iglesia de Undredal (Mitad del Siglo XII).

Iglesia de Urnes (Primera mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Uvdal (1168).

Suecia 🇸🇪

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Iglesia de Hedared (Circa 1500).

Polonia 🇵🇱

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Iglesia de Vang (Circa 1200, reubicada en 1842).

Fuentes: Wikipedia, Visitnorway.es, Google (fotografías), elaboración propia.

 
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Publicado por en 17 mayo, 2017 en Arte, Cultura, Historia

 

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Actores de la Edad de Oro de Hollywood II

James Dean: Marion (Indiana, Estados Unidos 🇺🇸), 8 de Febrero de 1931 – Cholame (California, Estados Unidos 🇺🇸), 30 de Septiembre de 1955. James Byron Dean es uno de los mitos más importantes de la historia del cine debido a su efímera pero exitosa carrera cinematográfica y a su muerte prematura, algo que finalmente le convirtió en la leyenda que es hoy. Después de realizar papeles menores en programas de televisión y obras de teatro durante comienzos de la década de 1950, Dean se mudó a Los Ángeles y protagonizó tres icónicas películas: Al Este del Edén (East of Eden, 1954), Rebelde sin Causa (Rebel Without a Cause, 1955), película icono de una desilusión adolescente y Gigante (Giant, 1955).

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James Stewart: Indiana (Pensilvania, Estados Unidos 🇺🇸), 20 de Mayo de 1908 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 2 de Julio de 1997. James Maitland Stewart dejó su marca en una amplia gama de géneros de cine, incluyendo comedias screwball, westerns, biográficos, suspense, thrillers y películas familiares. Con un legado de interpretaciones clásicas, hoy es considerado uno de los mejores actores de la Época de Oro de Hollywood. Ganó dos Óscar (1940, 1985, este último honorífico), un Globo de Oro (1965) y otros premios internacionales. Algunas de sus películas más destacadas son: Caballero sin Espada (Mr. Smith Goes to Washington, 1939), Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story, 1940), ¡Qué Bello es Vivir! (It’s a Wonderful Life, 1946), La Ventana Indiscreta (Rear Window, 1954), Anatomía de un Asesinato (Anatomy of a Murder, 1959), El Hombre que Mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), entre otras.

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John Wayne: Winterset (Iowa, Estados Unidos 🇺🇸), 26 de Mayo de 1907 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 11 de Junio de 1979. Nacido como Marion Robert Morrison es posiblemente el actor más reconocido de la historia en el género western y bélico. Su porte, voz y sus ademanes rudos y masculinos fueron icono de toda una época en Estados Unidos principalmente pero también en el resto del mundo. Ganó un Óscar (1969) y dos Globos de Oro (1966, 1969). Algunas de sus películas más conocidas son: La Diligencia (Stagecoach, 1939), Río Rojo (1948), Arenas Sangrientas (Sands of Iwo Jima, 1949), Débiles y Poderosos (The High and the Mighty, 1954), Centauros del Desierto (The Searchers, 1956), El Hombre que Mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), Valor de Ley (True Grit, 1969), Chisum (1970), entre muchas otras.

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Kirk Douglas: Amsterdam (Nueva York, Estados Unidos 🇺🇸), 9 de Diciembre de 1916. Nacido como Issur Danielovitch Demsky, sus padres fueron judíos procedentes de Bielorrusia. Con el nombre artístico de Kirk Douglas a uno de los actores más destacados de la Edad de Oro en Hollywood, gracias a su buen físico pero sobre todo a lo creíble de todas sus actuaciones, mostrando una versatilidad en su interpretación que pocos han conseguido igualar. Ha ganado un Óscar a su trayectoria profesional (1966) y dos Globos de Oro (1957, 1968). Entre su filmografía podemos destacar: Carta a Tres Esposas (A Letter to Three Wives, 1949), El Ídolo de Barro (Champion, 1949), Veinte mil leguas de viaje submarino (20.000 Leagues Under the Sea, 1954), El Loco del Pelo Rojo (Lust for Life, 1956), Senderos de Gloria (Paths of Glory, 1957), Los Vikingos (The Vikings, 1958), Espartaco (Spartacus, 1960), Siete Días de Mayo (Seven Days in May, 1964), entre otras.

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Marlon Brando: Omaha (Nebraska, Estados Unidos 🇺🇸), 3 de Abril de 1924 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 1 de Julio de 2004. Marlon Brando, Jr. es considerado por muchos especialistas en el cine como uno de los mejores actores de la historia, partícipe de varias películas absolutamente míticas. Ganó dos Óscar (1954 , 1972), dos Globos de Oro (1954, 1972), tres BAFTA (1952, 1953, 1954) y un Emmy (1979) entre otros premios. Algunos de sus largometrajes más conocidos son: Un tranvía llamado Deseo (A Streetcar Named Desire, 1951), ¡Viva Zapata! (1952), Julio César, (Julius Caesar, 1953), Rebelión a Bordo (Mutiny on the Bounty, 1962), La Jauría Humana (The Chase, 1966), El Último Tango en París (Last Tango in Paris, 1972), El Padrino (The Godfather, 1972), Apocalipsis Now (Apocalypse Now, 1979).

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Paul Newman: Shaker Heights (Ohio, Estados Unidos 🇺🇸), 26 de Enero de 1925 – Westport (Connecticut, Estados Unidos 🇺🇸), 26 de Septiembre de 2008. Paul Leonard Newman es uno de los grandes mitos masculinos en la historia del cine, dotado de un gran atractivo físico y una magnífica capacidad de actuación. Además fue un excelente piloto de carreras, teniendo varios éxitos significativos también en ese campo. A lo largo de su carrera cinematográfica ganó dos Óscar (1985, 1986, el primero de ellos honorífico), tres Globos de Oro (1969, 1984, 2005), un BAFTA (1961) y un Emmy (2005), un SAG (2005) entre otros premios. Películas destacadas: Marcado por el Odio (Somebody Up There Likes Me, 1956), La Gata sobre el Tejado de Zinc (Cat on a Hot Tin Roof, 1958), Dulce Pájaro de Juventud (Sweet Bird of Youth, 1962), Hud (1963), El Coloso en Llamas (The Towering Inferno, 1974)The Color of Money (El Color del Dinero, 1986), Camino a la Perdición (Road to Perdition, 2002), entre otras.

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Rock Hudson: Winnetka (Illinois, Estados Unidos 🇺🇸), 17 de Noviembre de 1925 – Beverly Hills (California, Estados Unidos 🇺🇸), 2 de Octubre de 1985. Roy Harold Scherer, Jr. fue uno de los galanes más destacados del cine clásico moderno gracias a su atractivo y buen hacer delante de las cámaras. Algunas de sus películas más conocidas son: Obsesión (Magnificient Obsession, 1954), Gigante (Giant, 1955), Escrito Sobre el Viento (Written on the Wind, 1956), Confidencias a Medianoche (Pillow Talk, 1959), Pijama para dos (Lover Come Back, 1961), Tobruk (1967). También apareció en la famosa serie Dinastía (Dinasty) entre 1984 – 1985.

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Sean Connery: Edimburgo (Escocia, Reino Unido 🇬🇧), 25 de Agosto de 1930. Thomas Sean Connery es uno de los actores más reconocidos hoy en día, mucha de su fama se debe a haber interpretado a James Bond en las primeras películas del agente secreto 007. No obstante, su carrera ha tenido otros grandes éxitos alejados de la figura del gran personaje creado por Ian Fleming. Ha ganado un Óscar (1987), dos Globos de Oro (1988 , 1996) y dos BAFTA (1987, 1988). Entre sus películas más destacadas están: Agente 007 Contra el Dr. No (Dr. No, 1962), Desde Rusia con Amor (From Russia with Love, 1963), Goldfinger (1964), Operación Trueno (Thunderball, 1965), Nunca Digas Nunca Jamás (Never Say Never Again, 1983), El Nombre de la Rosa (Der Name der Rose, 1986), Los Intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1987), Indiana Jones y la Última Cruzada (Indiana Jones and The Last Crusade, 1989), La Roca (The Rock, 1996), entre otras.

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Spencer Tracy: Milwaukee (Wisconsin, Estados Unidos 🇺🇸), 5 de Abril de 1900 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 10 de Junio de 1967. Spencer Bonaventure Tracy fue un actor que destacó por su naturalidad y versatilidad en la interpretación, convirtiéndose en una de las mayores estrellas de la Edad de Oro de Hollywood. Ganó dos Óscar consecutivos (1937, 1938), un Globo de Oro (1954), un BAFTA (1968), entre otros premios como el Festival de Cannes. Entre sus películas destacan: Furia (Fury, 1936)Capitanes intrépidos (Captains Courageous, 1937), Forja de Hombres (Boys Town, 1938), El Extraño Caso del Doctor Jekyll (Dr. Jekyll and Mr. Hyde, 1941), La Mujer del Año (Woman of the Year, 1942)La Costilla de Adán (Adam’s Rib, 1949), ¿Vencedores o Vencidos? (Judgement of Nuremberg, 1961), entre otras.

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Steve McQueen: Beech Grove (Indiana, Estados Unidos 🇺🇸), 24 de Marzo de 1930 – Ciudad Juárez (México 🇲🇽), 7 de Noviembre de 1980. Conocido por su afición a la velocidad, tanto en carreras de motos como de coches, trasladó buena parte de ese espíritu a elegir los papeles que le convirtieron uno de los actores más famosos de su época y en un mito tras su muerte. Algunas de sus películas más conocidas son: La Masa Devoradora (The Blob, 1958), Los Siete Magníficos (The Seven Magnificient, 1960), La Gran Evasión (The Great Scape, 1963), El Yang-tsé en Llamas (The Sand Pebbles, 1966), Bullitt (1968), Le Mans (1971), La Huida (The Getaway, 1972), El Coloso en Llamas (The Towering Inferno, 1974), Un Enemigo del Pueblo (An Enemy of the People, 1978).

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Tony Curtis: Nueva York (Estados Unidos 🇺🇸), 3 de Junio de 1925 – Las Vegas (Nevada, Estados Unidos 🇺🇸), 29 de Septiembre de 2010. Nacido como Bernard Schwartz, fue un actor célebre por su físico de galán y su acento típicamente neoyorquino, su nombre quedará ligado a su interpretación en Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot, 1959) con Jack Lemmon y Marilyn Monroe. Algunas otras de sus películas más destacadas son: Trapecio (Trapeze, 1956), Fugitivos (The Defiant Ones, 1958), Operación Pacífico (Operation Petticoat, 1959), Espartaco (Spartacus, 1960), La Semilla del Diablo (Rosemary’s Baby, 1968 – *Sólo voz), El Espejo Roto (The Mirror Crack’d, 1980).

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Vincent Price: San Luis (Misuri, Estados Unidos 🇺🇸), 27 de Mayo de 1911 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 25 de Octubre de 1993. Nacido como Vincent Leonard Price, Jr., fue uno de los actores más conocidos de la Edad de Oro de Hollywood por su participación en películas de terror, muchas de ellas de bajo presupuesto. Entre algunos de sus títulos más importantes podemos destacar: El Hombre Invisible Vuelve (The Invisible Man Returns, 1940), El castillo de Dragonwyck (Dragonwyck, 1946), Los Crímenes del Museo de Cera (House of Wax, 1953), La Mosca (The Fly, 1958), La Mansión de los Horrores (House on Haunted Hill, 1959), La Caída de la Casa Usher (House of Usher, 1960), El Cuervo (The Raven 1963), El Abominable Dr. Phibes (The Abominable Dr. Phibes, 1971)Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990).

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Parte I 

Actrices de la Edad de Oro de Hollywood.

Parte I 

Parte II 

 
 

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Actores de la Edad de Oro de Hollywood I

Boris Karloff: Londres (Reino Unido 🇬🇧), 23 de Noviembre de 1887 – Midhurst (Reino Unido 🇬🇧), 2 de Febrero de 1969. Nacido como William Henry Pratt, este actor británico es hoy considerado como el máximo icono del cine clásico de terror. Tras participar en numerosas películas de cine mudo, se convirtió en estrella al protagonizar Frankenstein (1931), largometraje que pudo rodar gracias a que Béla Lugosi rechazó el papel de monstruo de Frankenstein. Un año después protagonizó otra de sus películas más destacadas La Momia (The Mummy, 1932). Otros de sus actuaciones más conocidas son: La Novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1931), El Gato Negro (The Black Cat, 1934), El Cuervo (The Raven, 1935), Black Friday (1940), La Mansión de Frankenstein (House of Frankenstein, 1944), entre otras.

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Burt Lancaster: Nueva York (Estados Unidos 🇺🇸), 2 de Noviembre de 1913 – Los Ángeles (Estados Unidos 🇺🇸), 20 de Octubre de 1994. Nacido como Burton Stephen Lancaster, este actor americano es conocido por sus papeles de galán y hombre rudo. Dotado de un poderoso atractivo, alternó papeles de todo tipo a lo largo de su carrera cinematográfica, desde dramas, hasta bélicas, intriga o de aventuras. De carácter autodidacta, fue aceptando cada vez papeles más exigentes y variados, lo que le hizo ganarse tanto el favor del público como el aplauso de la crítica. Prueba de ello fue el Óscar y el Globo de Oro, además del Premio de la Crítica que ganó por el largometraje El Fuego y la Palabra (Elmer Gantry, 1960). Entre sus películas más destacadas podemos señalar: De Aquí a la Eternidad (From Here to Eternity, 1951), Trapecio (Trapeze, 1956), Duelo de Titanes (Gunfight at the O.K.Corral, 1957), El Hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz, 1962), Atlantic City (1980). También ganó dos BAFTA y otros prestigiosos premios europeos.

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Cary Grant: Bristol (Reino Unido 🇬🇧), 18 de Enero de 1904 – Davenport (Iowa, Estados Unidos 🇺🇸), 29 de Noviembre de 1986. Nacido como Archibald Alexander Leach, es conocido por ser uno de los actores más elegantes de la historia del cine. Cualidad sumada a su atractivo físico, carisma y a sus grandes cualidades para la actuación. Aunque estuvo nominado varias veces para el Óscar, lo ganó finalmente en 1970 como premio a su trayectoría. Entre sus películas más destacadas caben destacar: Madame Butterfly (1932), La Fiera de mi Niña (Bringing Up Baby, 1938), Historias de Filadelfia (The Philadelphia Story, 1940), Arsénico por Compasión (Arsenic and Old Lace, 1944)Atrapa a un Ladrón (To Cacth a Thief, 1955), Con la Muerte en los Talones (North by Northwest, 1959), entre otras.

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Charles Chaplin: Londres (Reino Unido 🇬🇧), 16 de Abril de 1889 – Vevey (Suiza 🇨🇭), 25 de Diciembre de 1977. Nacido como Charles Spencer Chaplin, fue un actor que adquirió enorme popularidad en el cine mudo gracias a las múltiples películas que realizó con su personaje Charlot. A partir de entonces, se le considera un símbolo del humorismo y del cine mudo y para el final de la Primera Guerra Mundial, era uno de los hombres más reconocidos de la cinematografía mundial. Es ganador de tres Óscar (dos de ellos honoríficos), en 1928, 1972 y 1973 (por la banda sonora de Limelight, Candilejas – 1952) y otros premios internacionales. Entre sus películas más destacadas podemos señalar: El Chico (The Kid, 1921), El Circo (The Circus, 1928), Tiempos Modernos (Modern TImes, 1936), El Gran Dictador (The Great Dictator, 1940), entre otras.

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Charlton Heston: Evanston (Illinois, Estados Unidos 🇺🇸), 4 de Octubre de 1923 – Beverly Hills (California, Estados Unidos 🇺🇸), 5 de Abril de 2008. Nacido como John Charles Carter, es hoy conocido como uno de los actores más destacados en la historia del cine épico, además de ser prolífico en otros estilos. Su poderosa presencia física y su característica seriedad le convierten en uno de los rostros más reconocidos del cine clásico. Ganó un Óscar (entre otros importantes premios) por su interpretación en Ben-Hur (1959), su película más conocida y una de las mejores y más galardonadas de todos los tiempos. Otros largometrajes destacados de Charlton Heston son: Cuando Ruge la Marabunta (The Naked Jungle, 1954), Los Diez Mandamientos (The Ten Commandments, 1956), La Historia Más Grande Jamás Contada (The Greatest Story Ever Told, 1965), El Planeta de los Simios (Planet of the Apes, 1968), Terremoto (Earthquake, 1974).

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Clark Gable: Cádiz (Ohio, Estados Unidos 🇺🇸), 1 de Febrero de 1901 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 16 de Noviembre de 1960. William Clark Gable es uno de los actores más conocidos del cine clásico y uno de sus grandes mitos. Tuvo mucho éxito gracias a su carisma interpretando galanes con cierto toque oscuro, e incluso cínico. Es ganador de un Óscar por Sucedió una Noche (It Happened One Night, 1934). Entre sus películas más destacadas podemos señalar: Un Alma Libre (A Free Soul, 1931), Rebelión a Bordo (Mutiny on the Bounty, 1935), Lo que el Viento se Llevó (Gone with the Wind, 1939), Mogambo (1953), Vidas Rebeldes (The Misfits, 1960).

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Errol Flynn: Hobart (Australia 🇦🇺), 20 de Junio de 1909 – Vancouver (Canadá 🇨🇦), 14 de Octubre de 1959. Errol Leslie Thomson Flynn fue uno de los actores más reconocidos en largometrajes clásicos de aventuras gracias a sus papeles de galán aventurero y romántico, aunque sin perder nunca cierto aire temerario. Su innegable atractivo y atributos físicos, así como una personalidad histriónica y desbordante, resultaban una mezcla atractiva en la pantalla grande, hecho que le facilitó ser protagonista de películas como: El Capitán Blood (Captain Blood, 1935), Robin de los Bosques (The Adventures of Robin Hood, 1938)Murieron con las Botas Puestas (They Died with Their Boots On, 1941), El Burlador de Castilla (Adventures of Don Juan, 1948), La Isla de los Corsarios (Against All Flags, 1952), entre otras.

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Gary Cooper: Helena (Montana, Estados Unidos 🇺🇸), 7 de Mayo de 1901 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 13 de Mayo de 1961. Frank James Cooper gozó de gran popularidad gracias su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Aunque era alto y desgarbado, encarnaba mejor que nadie el ideal americano de hombre íntegro y caballeroso. Granó tres Óscar (1941, 1952 y 1961, este último honorífico) a lo largo de su carrera y un Globo de Oro (1953). Entre sus películas más importantes podemos destacar: Alas (Wings, 1927), El Secreto de Vivir (Mr. Deeds Goes to Town, 1936)Tres lanceros bengalíes (The Lives of a Bengal Lancer, 1936), El Sargento York (Sargeant York, 1941), El Orgullo de los Yanquis (The Pride of the Yankees, 1942)Por Quién Doblan las Campanas (For Whom the Bell Tolls, 1942), Solo Ante el Peligro (High Noon, 1952), entre otras.

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Gregory Peck: La Jolla (California, Estados Unidos 🇺🇸), 5 de Abril de 1916 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 12 de Junio de 2003. Nacido como Eldred Gregory Peck, fue un actor sobrio pero eficaz en escena, con buena presencia física y una mirada muy característica. Protagonizó largometrajes de todo tipo: Comedias, westerns, románticas, cine bélico, etc. Ganó un Óscar y un Globo de Oro por Matar a un Ruiseñor (To Kill a Mockingbird, 1962), anteriormente había ganado otro Globo de Oro en 1947. Entre sus películas más destacadas podemos señalar: Las Llaves del Reino (The Keys of the Kingdom, 1944), Recuerda (Spellbound, 1945), Duelo al Sol (Duel in the Sun, 1946), Vacaciones en Roma (Holiday in Rome, 1953), Horizontes de Grandeza (The Big Country, 1958), La Hora Final (On the beach, 1959), La Profecía (The Omen, 1973).

Henry Fonda: Grand Island (Nebraska, Estados Unidos 🇺🇸), 16 de Mayo de 1905 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 12 de Agosto de 1982. Henry Jaynes Fonda es uno de los grandes mitos del cine clásico y de todos los tiempos. Poseedor de un talento inmenso y una gran capacidad de trabajo, se labró una de las carreras artísticas más brillantes en la historia del cine. Ganó dos Óscar (1980, 1981, el primero de ellos honorífico), dos Globos de Oro (1980, 1982, el primero de ellos honorífico), un BAFTA (1957) y un Tony (1948). Películas destacadas: Sólo se Vive una Vez (You Only Live Once, 1937), Jezabel (Jezebel, 1938), Las Uvas de la Ira (The Grapes of Wrath, 1940), El Fugitivo (The Fugitive, 1947), Fort Apache (1948), Guerra y Paz (War and Peace, 1956), Doce Hombres sin Piedad (12 Angry Men, 1957), Falso Culpable (The Wrong Man, 1957), El Día Más Largo (The Longest Day, 1962), El Estanque Dorado (On Golden Pond, 1981).

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Humphrey Bogart: Nueva York (Estados Unidos 🇺🇸), 25 de Diciembre de 1899 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 14 de Enero de 1957. Humphrey DeForest Bogart es uno de los actores más icónicos del cine clásico y uno de los más reconocidos de toda la historia gracias a su estilo personal de hombre serio, cínico, agarrado a un cigarrillo en muchos de sus largometrajes, hecho que le convertía en un galán poco convencional y a la vez altamente carismático. Ganó un Óscar por La Reina de África (The African Queen, 1951). Algunas de sus películas más recordadas son: El Bosque Petrificado (The Petrified Forest, 1936), El Halcón Maltés (The Maltese Falcon, 1941), Casablanca (1942), El Sueño Eterno (The Big Sleep, 1946), El Tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, 1948), Sabrina (1954), El Motín del Caine (The Caine Mutiny, 1955)Más Dura Será la Caída (The Harder They Fall, 1956).

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Jack Lemmon: Newton (Massachusetts, Estados Unidos🇺🇸 ), 8 de Febrero de 1925 – Los Ángeles (California, Estados Unidos 🇺🇸), 27 de Junio de 2001. John Uhler Lemmon III fue uno de los actores más destacados del cine de comedia especialmente, su carrera está plagada además de un gran número de premios fruto de sus grandes actuaciones. Ganó dos premios de Óscar (1955, 1974), cuatro Globos de Oro (1959, 1960, 1979, 1999), tres BAFTA (1950, 1960, 1979), un Emmy (1999), un SAG (1999), entre otros premios. Algunas de sus películas más destacadas son: Escala en Hawaii (Mister Roberts, 1955), Con Faldas y a lo Loco (Some Like It Hot, 1959), El Apartamento (The Apartment, 1960), Días de Vino y Rosas (Days of Wine and Roses, 1962), En Bandeja de Plata (The Fortune Cookie, 1966), Salvad al Tigre (Save the Tiger, 1973), Desaparecido (Missing, 1982), entre otras.

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Parte II 

Acrices de la Edad de Oro de Hollywood.

Parte I

Parte II 

 
 

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Prerrafaelismo y Pintura Victoriana

A mitades del Siglo XIX, al inicio del reinado de la reina Victoria, la pintura inglesa está estancada en las convenciones académicas y se encuentra en un callejón sin salida creativo. En reacción, tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, Hunt, Millais y Rossetti, fundan la cofradía prerrafaelita. Ambicionan crear una nueva pintura, refiriéndose ya no al Renacimiento, sino al arte medieval; aquel anterior a Rafael, libre y auténtico, siguiendo, para ello, los preceptos del influyente teórico victoriano, John Ruskin. Sus cuadros son coloridos, conllevan múltiples símbolos y referencias literarias, sensibles a la naturaleza y a las cuestiones sociales.

La cofradía se disuelverápidamente, pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia inglesa, durante cerca de cincuenta años. La segunda generación, dominada por Edward Burne-Jones y William Morris, aplica los principios prerrafaelitas a la decoración, al mobiliario y a la ilustración de libros. Más allá de Inglaterra, en particular el universo de Burne-Jones, tendrá una profunda influencia en la corriente simbolista.

Historia del movimiento prerrafaelita.

Movimiento artístico, exclusivamente británico, el prerrafaelismo nació en Londres, en la sociedad victoriana de finales de los años 1840. Tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, son sus iniciadores. Se llaman William Holman Hunt (1827 – 1910), John Everett Millais (1829 – 1896) y Dante Gabriel Rossetti (1828 – 1882).

En dicha época, la pintura británica se encuentra en un callejón sin salida, presa de las convenciones estrictas, y sometida a los gustos de una clientela con afán de costumbrismo, que conlleve a menudo una moral o un sentimentalismo cursi. Arte vulgar para los tres estudiantes, en rebeldía, que desean “hacer renacer, en la mente de la gente, una buena reflexión”, decía Millais, mediante cuadros que eleven al espectador.

Según ellos, la enseñanza académica, incapaz de liberarse de las normas estéticas procedentes del Renacimiento, es directamente responsable de esta esclerosis creativa. Su grupo se amplia rápidamente, con cuatro nuevos miembros, de perfiles muy distintos: Thomas Woolner (1825 – 1892), escultor y poeta; James Collinson (1825 – 1881), estudiante de la Royal Academy; William Michael Rossetti (1829 – 1919), el hermano de Dante Gabriel y funcionario de hacienda de la época; Frederick Georges Stephens (1828 – 1907), estudiante en pintura, de poco talento, que se orientará posteriormente hacia la escritura y la crítica de arte.

Nacimiento de la cofradía prerrafaelita.

Juntos fundan, en 1848 la Pre-Raphaelite Brotherhood (cofradía prerrafaelita). La elección de este nombre recuerda que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael (1483 – 1520), La Transfiguración (1518 – 1520, museos del Vaticano), del que Hunt decía que “debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador”. Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico. El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos, es el que designan como modelo de pureza y de libertad.

Más allá de una mera reacción a la enseñanza académica, los orígenes del prerrafaelismo solo se pueden comprender situándolos en el contexto político e intelectual de la época. En 1848, toda Europa está atravesada por movimientos revolucionarios; la ola del Gothic Revival conoce en la Inglaterra del Siglo XIX, una amplitud sin parangón; el crítico de arte y teórico John Ruskin (1819 – 1900) ejerce una influencia preponderante, en la sociedad victoriana. Ruskin preconiza una visión profundamente moral del arte, al que otorga un protagonismo social. Sitúa la práctica artesanal por encima de cualquier reacción a la industrialización floreciente, y propone un concepto poético y místico de la naturaleza, ésta teniendo que ser representada de manera directa y sincera. Cuantas teorías a las que se adhieren Hunt, Millais y Rossetti, sin reservas.

P.R.B. (Pre-Raphaelite Brotherhood).

Dejándose llevar por el entusiasmo de sus veinte años, los jóvenes prerrafaelitas logran superar el carácter confuso y a veces ingenuo, de su programa, así como sus diferencias de temperamento y de estilo. Sus primeras obras, radicadas bajo el sello del prerrafaelismo, desvelan al público la existencia y el espíritu del movimiento cuya influencia va a demostrarse ser inmensa.

A partir de 1849, aparecen en algunas exposiciones londinenses, cuadros que llevan, bajo la firma del autor, el monograma P.R.B. (Pre-Raphaelite Brotherhood), del que no se desvela el significado. Rossetti presenta en primer lugar La infancia de la Virgen durante la Free Exhibition, de Hyde Park Corner, y posteriormente, lo expone de nuevo, en la Royal Academy durante el verano, junto a Isabella de Millais y Rienzi de Hunt.

En cuanto a la técnica, estos cuadros coinciden por la gran vivacidad de los coloridos, un realismo exacerbado que pretende ser una reproducción exacta de la naturaleza y una gran libertad, otorgada a las poses de los personajes. Todo ello acompañado por sabias referencias religiosas, literarias y poéticas. Los tres cuadros mostrados en la Royal Academy encuentran compradores, y la crítica se muestra más bien benevolente.

Alentados por estos comienzos, los miembros de la cofradía publican una revista, The Germ, cuyo objetivo es de “enunciar las ideas de aquellos que apoyan una estricta adhesión a la sencillez de la Naturaleza en el Arte o en la Poesía”. Solo se tiran cuatro números, entre enero y abril de 1850, pero The Germ procura sin embargo a la cofradía una visibilidad pública más importante y fragiliza el secreto, con el que los miembros quieren rodearse. Se desvela, además, el significado de las tres enigmáticas letras, P.R.B., en un artículo del Illustrated London News el 4 de Mayo de 1850.

Del rechazo al reconocimiento.

Posteriormente, la acogida reservada a los prerrafaelitas es hostil. Son el objeto de virulentos ataques, con motivo de las exposiciones de 1850 y de 1851: Se les reprocha su tratamiento trivial de los temas sacros (en particular El Cristo en casa de sus padres de Millais) ) y al final, no se les perdona su rechazo de la idealización. Sin embargo, algunas simpatías se manifiestan. Reciben en particular el apoyo de Ruskin y el refuerzo de nuevos miembros como Charles Allston Collins (1828 – 1873), Arthur Hugues (? – ?) o Walter Deverell (1827 – 1854).

En 1852, empiezan a aparecer en la pintura prerrafaelita, temas contemporáneos de dimensión social, lo que también, corresponde a una de las principales preocupaciones de Ruskin. Pero son los temas literarios que, dicho año, van a proporcionar un verdadero reconocimiento. Nutriendo su inspiración en la obra de Keats, Tennyson o Shakespeare, los prerrafaelitas se enmarcan en una tradición cultural nacional y logran hacer aceptar sus atrevimientos estéticos. Una vez más, es un cuadro de Millais que simboliza la nueva consideración de la que disfruta el grupo. Con su Ofelia, realiza una obra totalmente prerrafaelita (naturalismo meticuloso, colores tornasolados, símbolos complejos, tema literario que rompe con las representaciones clásicas). En cuanto aparece, tanto la crítica como el público ensalzan Ofelia.

La segunda generación.

Pero el éxito llega cuando la unidad de la cofradía se quebranta, cada miembro siguiendo un camino distinto: Woolner se embarca para Australia en 1852, Millais fue elegido en la Royal Academy en 1853, Hunt parte para Tierra Santa en 1854… A partir de noviembre de 1853, D. G. Rossetti escribía a su hermana: “La Mesa Redonda está ahora totalmente disuelta”. Sin embargo, aunque la cofradía desaparezca, los ideales prerrafaelitas empiezan a tener émulos, en todo Reino Unido y traspasan el marco de la pintura.

Esta “segunda generación prerrafaelita” está simbolizada por los trabajos de Edward Burne-Jones (1833 – 1898) y de William Morris (1834 – 1896). Unidos por una misma pasión por la cultura medieval, ambos hombres habían estrechado vínculos de amistad en los bancos del Exeter College de Oxford, a comienzos de la década de 1850. Unos cuantos años más tarde, Morris se orienta hacia una carrera de arquitecto y le presentan a D. G. Rossetti., convertido en el profesor de pintura de Burne-Jones. El trío Realiza varios proyectos decorativos en común (Red House de Bexley, Oxford Union, etc.) que dan un nuevo impulso y una nueva dirección al prerrafaelismo.

Paulatinamente, se abandona la vena medieval; el propio Ruskin estaba inquieto de ver como esta obsesión por la Edad Media, alejaba a los artistas de la naturaleza. Fue hacia el arte italiano, y Boticelli en particular, hacia el que se giran de ahora en adelante Burne-Jones y Rossetti. Por fin, Jane Burden (1839 – 1914) y Elizabeth Siddal (1829 – 1862), quienes se casarán respectivamente con Morris y Rossetti, se convierten en las verdaderas musas del movimiento, proporcionándole una dimensión más sensual.

Posteridad.

Bien arraigado en el paisaje artístico inglés, el prerrafaelismo extiende su influencia hasta finales del Siglo XIX. Lo encontramos en fotografía, con las obras de Julia Margaret Cameron (1815 – 1879) o Roger Fenton (1819 – 1869) y es una de las principales fuentes del arte de la ilustración en Reino Unido. Preside también el desarrollo del Aesthetic Movement, en los años 1870. Y se confunde con algunas corrientes del simbolismo. Gracias a William Morris, jefe de fila del movimiento Arts and Crafts, el prerrafaelismo se encarna de un modo preponderante en las artes decorativas, hasta retumbar en la exaltación de las líneas femeninas y vegetales del Art Nouveau.

Aunque Burne-Jones no forme parte de los miembros fundadores de la cofradía, y que desatienda la dimensión social, militante y realista, deseada por Hunt, Millais y Rossetti, se convierte, a lo largo del tiempo, en la figura más destacada del movimiento. Su obra realizando el vínculo, entre las ambiciones de los orígenes, y todas las evoluciones posteriores. El movimiento se extingue poco a poco, junto con su siglo: D. G. Rossetti muere en 1882, Millais y Morris en 1896, Burne-Jones en 1898. Hasta el final, habrán podido ver sus ideas reutilizadas y adaptadas, por artistas más jóvenes, como el pintor John William Waterhouse (1849 – 1917) y el ilustrador Aubrey Beardsley (1872 – 1898).

Obras selectas.

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James Collinson – Madre e hija con el acantilado de Culver y la Isla de Wight a lo lejos (1849 – 1850).

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John Everett Millais – Mariana (1851).

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William Holman Hunt – El pastor distraído (1851).

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James Collinson – El plan de emigración (1852).

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John Everett Millais – Ofelia (1852).

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Arthur Hughes – Amor de Abril (Circa 1855).

John William Inchbold – Un estudio, Marzo (1855).

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Henry Wallis – La muerte de Chatterton (1856).

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John Brett – Valle de Aosta (1858).

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Ford Madox Brown – La chica irlandesa (1860).

Dante Gabriel Rossetti – Venus Verticordia (1863 – 1868).

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Frederick Sandys – Morgana Le Fay (1864).

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Frederick William Burton – Encuentro en las escaleras de la torre (1864).

John Everett Millais – Juana de Arco (1865).

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Simeon Solomon – Amor en otoño (1866).

La Ghirlandata

Dante Gabriel Rossetti – La Ghirlandata (1871 – 1874).

Proserpina

Dante Gabriel Rossetti – Proserpina (1874).

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Emma Sandys – Fiammetta (1876).

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Edward Burne-Jones – La seducción de Merlín (1878).

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Evelyn de Morgan – Noche y sueño (1878).

William Holman Hunt – Amaryllis (1884).

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Marie Spartali Stillman – Mensajero del amor (1885).

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Lawrence Alma-Tadema  – Las rosas de Heliogábalo (1888).

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Valentine Cameron Prinsep – Ante la primera caricia del invierno, el verano se desvanece (1897).

Lady Godiva

John Maler Collier – Lady Godiva (Circa 1897).

Herbert James Draper - El lamento de Ícaro

Herbert James Draper – El lamento de Ícaro (1898).

Ariadne

John William Waterhouse – Ariadna (1898).

Gruta de las Ninfas de la Tempestad

Edward John Poynter – Gruta de las Ninfas de la Tempestad (1903).

Eleanor Fortescue-Brickdale - El pequeño pie de página

Eleanor Fortescue-Brickdale – El pequeño pie de página (1905).

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William Holman Hunt – La Dama de Shalott (1905).

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Edward Robert Hughes – Noche con su séquito de estrellas (1912).

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Frank Cadogan Cowper – Vanidad (Desconocida).

Galerías:

Dante Gabriel Rossetti

Sir Edward John Poynter

John William Waterhouse

John Maler Collier

Fuentes: Museo d’Orsay (Historia de la pintura prerrafaelista), elaboración propia.

 
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Publicado por en 5 abril, 2017 en Arte, Cultura

 

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The Hands Resist Him, la pintura maldita

The Hands Resist Him (Las manos lo resisten) es un óleo sobre lienzo, pintado en 1972 por Bill Stoneham, nacido en Oakland, California (Estados Unidos). En el cuadro destacan un niño y una muñeca de pie delante de una puerta con paneles de vidrio, contra la cual se aprecian manos presionando hacia dentro (las manos están del otro lado de donde se encuentran los niños). Según el artista, el niño está inspirado en una fotografía de sí mismo a los cinco años y la puerta es una representación de la línea divisoria entre el mundo de la vigilia y el mundo de la fantasía y lo imposible, mientras que la muñeca es una guía que le acompañará al niño. Las manos representan vidas o posibilidades alternativas.

La pintura adquirió cierta fama cuando se “viralizó” por Internet mediante una leyenda urbana surgida en torno a ella, cuando fue vendida en Febrero del año 2000 en el sitio web de ventas eBay debido a la peculiar descripción que la vendedora realizó sobre dicho artículo.

El artista William Stoneham pintó este cuadro en 1972 dentro del contrato que tenía con un galerista de arte para producir dos pinturas al mes por 200 dólares cada una. Inspirado por un poema que acababa de escribir su mujer, “Las manos lo resisten”, Stoneham por inspiración visual utilizó una fotografía que habían realizado sus padres adoptivos y en la que se observaba al propio Stoneham de niño junto a una niña pequeña del vecindario, ambos de pie junto a una puerta de vidrio. En la pintura, la niña aparecía representada como una muñeca con rostro cuanto menos inquietante, sin ojos y agarrando un extraño artilugio.

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Bill Stoneham de niño junto a una vecina.

En 1974 Stoneham vendió el cuadro a John Marley, conocido actor que aparece en El Padrino (The Godfather, 1972), encarnando al personaje que se despierta con una cabeza de caballo decapitada dentro de su cama, escena que se convirtió en una de las más famosas del cine del Siglo XX. Entre 1978 y 1984, Charles Feingarten, dueño de la galería que había contratado a Stoneham, así como Henry Seldis, crítico de arte (que había mencionado dicha pintura en Los Angeles Times) y el propio John Marley fallecieron. Tres personas que de un modo u otro habían tenido una relación estrecha con el cuadro y su autor.

Se perdió la pista de la pintura por un tiempo hasta que repentinamente reapareció en la trastienda de una fábrica de cerveza en California. Concretamente en el año 2000, el cuadro apareció de nuevo en un anuncio de eBay, acompañado por una descripción en la que se mencionaban multitud de hechos extraños relacionados con el mismo. Se decía lo siguiente en el anuncio: “Cuando recibimos la pintura, pensamos que se trataba de una obra de arte realmente buena”, detalló el vendedor en eBay. “Un anticuario la había encontrado abandonada en la trastienda de una vieja fábrica de cerveza. Inmediatamente nos preguntamos qué era lo que había conducido al abandono de una obra de arte de tan obvia calidad. Ahora… lo sabemos. Una noche, nuestra hija de 4 años, muy asustada, nos pidió dormir en nuestra habitación. Nos dijo que los niños que aparecen en la pintura… se estaban peleando”.

El padre terminó colocando una cámara sensible al movimiento enfocada al cuadro y según su propio testimonio: “Pude ver cómo el niño de la pintura se movía”. “Las dos últimas imágenes muestran como la muñeca cobra vida y usa un “arma” para forzar al niño a abandonar la pintura”, según informó el vendedor en 2002 a los medios de comunicación. Se afirmaba que el cuadro podría llegar a cambiar la vida de su propietario. Ante estas advertencias, el vendedor recibió infinidad de ofertas, así como mensajes en el que se le decía que sólo con ver el cuadro en el propio anuncio, habían sucedido fenómenos paranormales.

La extraña y controvertida obra de arte fue finalmente vendida por 1.025 dólares a Kim Smith, propietario de una galería de arte en Grand Rapids, (Michigan, Estados Unidos) donde aún hoy permanece. El propio Kim Smith aseguró tras comprar la pintura: “Me gustaría poder informar de sucesos extraños o escribir sobre posesiones debido al mal que reside en la pintura. Pero no es así, no he sido testigo de nada parecido, aunque debo decir que he recibido miles de correos electrónicos que me sugerían oraciones de liberación, consejos de como limpiar mi casa de las energías negativas, incluso la ayuda desinteresada de un chamán nativo americano de Mississippi. Pero yo creo que todo es fruto de la mente”.

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The Hands Resist Him (1974).

La obra solamente se ha mostrado al público en seis ocasiones desde entonces, creando siempre una gran perturbación entre los asistentes al evento, principalmente en el 2007. “Sólo pasó veinte segundos, y únicamente había silencio”, dijo Smith. Y entonces alguien afirmó: “Eso es espeluznante”, aseguró Smith a los medios de comunicación. A pesar de haber recibido cuantiosas sumas de dinero (algunas incluso de 6 cifras) por el cuadro, Smith hasta la fecha ha rechazado todas.

El autor de la pintura, Bill Stoneham, sigue recibiendo correos electrónicos de personas que aseguran sentirse mal o sufrir fenómenos extraños después de ver imágenes de la pintura en Internet. “Vivimos en una era de ciencia, duras realidades y hechos concretos, pero todavía nos sentimos atraídos por el misterio”, dijo Stoneham. “¿Y qué es más misterioso que las pinturas? Más que cualquier otro objeto, las pinturas son una especie de cosa creada por alguien usando sus manos. Y a veces, esas manos crean algo que aterroriza a la gente durante décadas”.

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Autorretrato de Bill Stoneham.

Recientemente en el año 20016, Darren Kyle O`Neill, autor del libro The Hands Resist Him: Be Careful What You Bid For, afirma que tras haber impreso una imagen del cuadro que depositó al lado de otros documentos, marchó de viaje a Italia durante un mes. A la vuelta, el aire acondicionado de la casa se había torcido y todo en la habitación tenía moho verde; la televisión, la cama, las hojas, la ropa de su hija, etc. Pero al lado de las hojas teñidas de verde, la única cosa que estaba en perfectas condiciones era la reproducción del cuadro. ¿Una manera curiosa de publicitar su libro o testimonio real acerca de otro suceso extraño más relacionado con la pintura?, este curioso misterio perdura todavía.

Fuentes: Wikipedia, mundoesotericoparanormal.com, the-line-up.com, elaboración propia.

 

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Biblioteca del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

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Sabiduría y conocimiento de siglos en papel y tinta añeja.

Fotografía y retoques por La Exuberancia de Hades (Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial).

 

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