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Archivo de la categoría: Arte

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Leiden (Países Bajos 🇳🇱), 15 de Julio de 1606 – Amsterdam (Países Bajos 🇳🇱), 4 de Octubre de 1669.

Rembrandt hoy es considerado acertadamente uno de los artistas más importantes de la historia, y sin duda uno de los pintores y grabadores más destacados de todo el Barroco. Dotado de una habilidad prodigiosa para el rretrato, Rembrandt también destacó a la hora de plasmar escenas bíblicas y mitológicas. Con el paso de los años y ya en la madurez, se convirtió en el maestro de otros grandes pintores neerlandeses de su época.

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El pintor en su estudio (1626 – 1628).

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Andrómeda (Circa 1630).

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Autorretrato con capa y ojos muy abiertos (1630).

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Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén (1630).

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El rapto de Europa (1632).

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La lección de anatomía del Doctor Tulp (1632).

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El descendimiento de la cruz (1633).

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La tormenta en el Mar de Galilea (1633).

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Retrato de Johannes Wtenbogaert (1633).

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Artemisa (1634).

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Retrato de Haesje Jacobsdr van Cleyburg (1634).

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El sacrificio de Isaac (1635).

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Saskia como Flora (1635).

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Saskia van Uylenburgh (Circa 1635).

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Sansón cegado por los filisteos (1636).

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Elefante (1637).

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El hijo pródigo en la taberna (Circa 1637).

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Noble polaco (1637).

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Paisaje con puente de piedra (1638).

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La ronda de noche (1642).

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Los tres árboles (1643).

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Sagrada Familia con ángeles (1645).

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Susana y los viejos (1647).

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El molino (1648).

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León (1650 – 1652).

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El hombre con yelmo dorado (Circa 1650). *En la actualidad este retrato es atribuido a su círculo de aprendices y no al propio Rembrandt.

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Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653).

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Las Tres Cruces (1653).

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El baño de Bathsheba, también Hendrickje, (1654).

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Alejandro Magno (1655).

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Buey desollado (1655).

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Jinete polaco (Circa 1655).

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Autorretrato (1659).

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Asuero y Hamán en la fiesta de Ester (1660).

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Titus, hijo de Rembrandt, vestido como un monje (1660).

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La conspiración de Claudio Civilis (1662).

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Los síndicos del gremio de pañeros (1662).

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El retorno del hijo pródigo (Circa 1662).

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La novia judía (Circa 1667).

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Autorretrato (1669).

 
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Publicado por en 7 junio, 2017 en Arte, Cultura

 

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Stavkirke, iglesias de madera

Stavkirke es una palabra noruega con la que se nombra a un tipo particular de templos cristianos medievales construidos de madera, anteriormente comunes en la Europa del Norte pero en el presente confinados casi exclusivamente en Noruega. Las más antiguas tienen edades superiores a los 800 años.

Durante la Edad Media, se construyeron inmensas catedrales de piedra en muchas partes de Noruega pero también se usó una técnica similar para construir en madera. Gracias al interés de los vikingos por la construcción de barcos y viviendas, la técnica y la tradición de la talla de madera se desarrollaron aún más, culminando el trabajo culminó con las stavkirke. Hay varios tipos de iglesias de madera, pero una cosa que tienen en común son los postes angulares (stav) y un marco de madera con tablones que se aguantan sobre soleras que a su vez se halla asentado sobre cimientos de roca, protegiendo a la madera de la humedad. La técnica relaciona a las stavkirke con el entramado de madera, y les confiere, además de resistencia a las condiciones climáticas, estabilidad y rigidez. Estas paredes se conocen como paredes stav, y de aquí el nombre de stavkirke. Las puertas y remates de madera de estas iglesias fueron bellamente talladas. Las decoraciones en el interior incluyen una interesante combinación de motivos cristianos y lo que se presume son temas Vikingos pre-cristianos con animales y dragones.

La planta de las stavkirke más sencillas se divide en una nave y un coro, mientras las más evolucionadas se asemejan a las basílicas románicas, con el techo escalonado y pilares en el interior de la nave. Esa similitud, además de la decoración escultórica y pictórica, ha hecho suponer que las stavkirke tienen sus orígenes en el arte románico, pero esta teoría no es compartida por varios expertos. En la actualidad, quedan en pie 28 stavkirke medievales en Noruega, una en Suecia y una más en Polonia (esta última de origen noruego). Entre las más conocidas figuran la Iglesia de Borgund, de espectacular diseño y la mejor representante del género, y la Iglesia de Urnes, probablemente la más antigua y un descollante ejemplo del arte decorativo nórdico, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Las stavkirke llegaron a ser comunes durante la Edad Media en el Noroeste de Europa. Sólo en Noruega, se considera que existieron en un número aproximado de 2000. El número de stavkirke construidas en otras partes de Europa y en Islandia se desconoce. Anteriormente, se creía que las stavkirke habían sido el primer tipo de templos cristianos construidos en Escandinavia, pero ahora se sabe de la existencia de una forma más antigua, las llamadas iglesias de postes, si bien las diferencias entre ambos tipos de templos llega a ser bastante pequeña. Las stavkirke fueron consideradas obsoletas desde la Edad Media y se reemplazaron casi en su totalidad. En Noruega, no fueron reemplazadas tan rápido como en otros lugares de Europa, y varias de ellas alcanzaron el Siglo XIX.

La materia prima más común para la construcción de las stavkirke fue la madera de pino (Pinus sylvestris). Para la construcción del armazón se utilizaron pinos bastante crecidos, cuyos troncos tuvieran un diámetro lo suficientemente grande y con abundante duramen en su madera. El duramen se halla impregnado de resina de manera natural, evitando la infección por agentes biológicos. En otros lugares se utilizaron otras especies vegetales. En Dinamarca, el norte de Alemania e Inglaterra se utilizó principalmente la madera de encino. La iglesia sueca de Hedared también fue construida con encino.

Algunos investigadores sugieren que las stavkirke son resultado de un intento de trasladar la arquitectura de las iglesias románica en piedra a la madera, pero esta teoría no ha resultado ser muy respaldada, ya que si bien existen elementos decorativos similares, el método de construcción es muy distinto. Una teoría respecto al origen de las stavkirke que parece más fundamentada es la que nos dice que muchas de estas iglesias fueron templos paganos en sus inicios o se construyeron sobre antiguos edificios de culto pagano, como es el caso de la Iglesia de Mære. 

Decoración de las stavkirke de Urnes y Tønjum e interior de la stavkirke de Borgund (Izquierda a derecha).

Las stavkirke se clasifican en dos tipos:

Tipo A: En la base de las iglesias Tipo A hay cuatro soleras sobre un cimiento de rocas poco profundo. Estas soleras están interconectadas entre sí por muescas y espigas en sus extremos, formando un marco cuadrado rígido. Los postes esquineros (stav) se cortaban en cruz en su extremo inferior, y la espiga resultante se colocaba sobre una muesca en cada esquina del marco de soleras. En el lado superior de las soleras hay un surco en el que están colocados verticalmente los tablones (veggtilene) de los muros a manera de cuñas. El armazón de la iglesia se terminaba con una solera superior (stavlægje) con un surco en su lado inferior, en el que se introducía el extremo superior de los tablones de los muros. Las soleras superiores sostienen la armadura del techo; ésta consiste de un sistema en tándem formado por un par de cabrios principales (taksperre), que dan la inclinación al techo y sostienen el travesaño, y un par adicional de vigas en tijera (saksesperre), que funcionan como puntales de los cabrios. Tanto cabrios como vigas de tijera parten de un mismo punto en la solera superior. Además, hay viguetas perpendiculares que conectan a cada cabrio con el del lado opuesto; el resultado es una especie de celosía bastante rígida. Las stavkirke de Tipo A se subdividen a su vez en tres subgrupos.

  • Sencillo. Tienen una nave rectangular y un coro más pequeño casi cuadrado. Fue el estilo más común en el siglo XII. Las stavkirke de Haltdalen y Hedared pertenecen a este tipo. Algunas de estas sencillas iglesias fueron derribadas en algún momento y reconstruidas en iglesias alargadas.
  • De poste central. Tienen en el centro de la nave un poste bastante largo que alcanza la armadura del techo. Esta variación está representada en Numedal y Hallingdal y data aproximadamente de 1200. Las únicas tres stavkirke de este tipo en la actualidad son Høyjord, Nore y Uvdal.
  • Alargado. Las iglesias alargadas tienen un plano rectangular con nave y coro de la misma anchura; regularmente, la nave ocupa dos tercios de la longitud total. Hay además postes intermedios en los muros. A diferencia de otras stavkirke, tienen viguetas sobre la nave, donde inicia el techo, como si formaran parte del armazón de un plafón. Pueden tener también puntales exteriores que conectan a los muros con el suelo del exterior, como las iglesias de Kvernes y Rødven (aunque no se sabe con certeza si sus puntales son originales).

Tipo B: Estas iglesias fueron llamadas anteriormente iglesias de tres naves para distinguirlas de las de Tipo A, de nave única. Esa denominación empleada, entre otros, por Lorenz Dietrichson, ha caído en desuso, pues implicaba que las stavkirke tenían una nave central y dos laterales, es decir, una disposición de basílica. Sin embargo, lo característico de las stavkirke con sala central es un deambulatorio (omgang), que rodea a la sala central (mitrom) por los cuatro costados, a diferencia de las naves laterales. En todo caso, las stavkirke muestran cierta similitud con las iglesias de planta central, con la diferencia que la sala central de las stavkirke es siempre rectangular. Sobre los cimientos de piedra hay cuatro gruesas vigas de madera (grunnstokker) que se cruzan entre sí y forman un rígido armazón en forma de un signo #. Cada viga se extiende entre 1 – 2 metros más allá del punto de intersección. Los extremos de las vigas sostienen las soleras de los muros exteriores, formando un marco cuadrado horizontal independiente del marco cuadrado central formado por las vigas gruesas. Los postes de la sala central se colocan en el cuadro central y son los encargados de sostener el techo elevado de la sala central. En el marco horizontal exterior de soleras reposan las cuatro paredes de tablones con sus postes esquineros, que son las que sostienen el techo bajo del deambulatorio que rodea a la sala central. Así, dando una impresión de basílica, el techo queda dividido en 2 niveles y la sala central y el deambulatorio permanecen divididos por hileras de postes a manera de pilares. Los postes de la sala también se conectan a las soleras superiores de los muros por medio de vigas, lo que le da a la iglesia rigidez lateral. Casi en la cima de los postes se insertan entre éstos las soleras superiores para soportar los muros de la sala central, que quedan en contacto con el exterior. En el extremo superior de los muros de la sala se coloca un tercer marco de soleras, del que parten las vigas del techo, en una disposición similar a las stavkirke de Tipo A. Las stavkirke de Tipo B se subdividen a su vez en dos subgrupos.

  • Grupo Kaupanger: Donde los postes de la sala central forman una arcada y su ornamentación, por ejemplo los capiteles, parece inspirada en el arte románico. Parte de este grupo son las iglesias de Kaupanger, Urnes, Hopperstad y Lom.
  • Grupo Borgund: En estas iglesias los postes centrales se interconectan entre sí a través de tirantes en forma de X («cruces de San Andrés»), que se distribuyen en la parte intermedia del alzado central. El nivel de las cruces se asemeja al triforio de las basílicas de piedra (sobre las cruces hay además un nivel de arcaturas decorativas, como en los triforios). Además, por abajo y por arriba de este «triforio» puede haber maderos horizontales en forma de cepos (tang) que mantienen rígidos a los postes. La rigidez resultante hace posible omitir la parte inferior de los postes de la sala, como sucede en algunas stavkirke donde sólo los cuatro postes esquineros se conectan con el piso (ver la imagen de la iglesia de Gol). Forman parte de este subgrupo las iglesias de Borgund, Gol, Hegge, Høre, Lomen, Ringebu y Øye.

Noruega 🇳🇴

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Iglesia de Borgund (Finales del Siglo XII).

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Iglesia de Flesberg (Circa 1200).

Iglesia de Fortun o Fantoft (Circa 1150, quemada el 6 de Junio de 1992 y reconstruida completamente en 1997).

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Iglesia de Gol (1212).

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Iglesia de Haltdalen (1170 – 1179).

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Iglesia de Heddal (Segunda mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Hopperstad (1140).

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Iglesia de Høre (1180).

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Iglesia de Høyjord (Segunda mitad del Siglo XII).

Iglesia de Kaupanger (1190).

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Iglesia de Kvernes (Segunda mitad del Siglo XIV).

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Iglesia de Lom (1158).

Iglesia de Nore (1167).

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Iglesia de Øye (Segunda mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Ringebu (Primer cuarto del Siglo XIII).

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Iglesia de Rødven (Circa 1200).

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Iglesia de Torpo (1192).

Iglesia de Undredal (Mitad del Siglo XII).

Iglesia de Urnes (Primera mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Uvdal (1168).

Suecia 🇸🇪

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Iglesia de Hedared (Circa 1500).

Polonia 🇵🇱

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Iglesia de Vang (Circa 1200, reubicada en 1842).

Fuentes: Wikipedia, Visitnorway.es, Google (fotografías), elaboración propia.

 
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Publicado por en 17 mayo, 2017 en Arte, Cultura, Historia

 

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Prerrafaelismo y Pintura Victoriana

A mitades del Siglo XIX, al inicio del reinado de la reina Victoria, la pintura inglesa está estancada en las convenciones académicas y se encuentra en un callejón sin salida creativo. En reacción, tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, Hunt, Millais y Rossetti, fundan la cofradía prerrafaelita. Ambicionan crear una nueva pintura, refiriéndose ya no al Renacimiento, sino al arte medieval; aquel anterior a Rafael, libre y auténtico, siguiendo, para ello, los preceptos del influyente teórico victoriano, John Ruskin. Sus cuadros son coloridos, conllevan múltiples símbolos y referencias literarias, sensibles a la naturaleza y a las cuestiones sociales.

La cofradía se disuelverápidamente, pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia inglesa, durante cerca de cincuenta años. La segunda generación, dominada por Edward Burne-Jones y William Morris, aplica los principios prerrafaelitas a la decoración, al mobiliario y a la ilustración de libros. Más allá de Inglaterra, en particular el universo de Burne-Jones, tendrá una profunda influencia en la corriente simbolista.

Historia del movimiento prerrafaelita.

Movimiento artístico, exclusivamente británico, el prerrafaelismo nació en Londres, en la sociedad victoriana de finales de los años 1840. Tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, son sus iniciadores. Se llaman William Holman Hunt (1827 – 1910), John Everett Millais (1829 – 1896) y Dante Gabriel Rossetti (1828 – 1882).

En dicha época, la pintura británica se encuentra en un callejón sin salida, presa de las convenciones estrictas, y sometida a los gustos de una clientela con afán de costumbrismo, que conlleve a menudo una moral o un sentimentalismo cursi. Arte vulgar para los tres estudiantes, en rebeldía, que desean “hacer renacer, en la mente de la gente, una buena reflexión”, decía Millais, mediante cuadros que eleven al espectador.

Según ellos, la enseñanza académica, incapaz de liberarse de las normas estéticas procedentes del Renacimiento, es directamente responsable de esta esclerosis creativa. Su grupo se amplia rápidamente, con cuatro nuevos miembros, de perfiles muy distintos: Thomas Woolner (1825 – 1892), escultor y poeta; James Collinson (1825 – 1881), estudiante de la Royal Academy; William Michael Rossetti (1829 – 1919), el hermano de Dante Gabriel y funcionario de hacienda de la época; Frederick Georges Stephens (1828 – 1907), estudiante en pintura, de poco talento, que se orientará posteriormente hacia la escritura y la crítica de arte.

Nacimiento de la cofradía prerrafaelita.

Juntos fundan, en 1848 la Pre-Raphaelite Brotherhood (cofradía prerrafaelita). La elección de este nombre recuerda que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael (1483 – 1520), La Transfiguración (1518 – 1520, museos del Vaticano), del que Hunt decía que “debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador”. Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico. El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos, es el que designan como modelo de pureza y de libertad.

Más allá de una mera reacción a la enseñanza académica, los orígenes del prerrafaelismo solo se pueden comprender situándolos en el contexto político e intelectual de la época. En 1848, toda Europa está atravesada por movimientos revolucionarios; la ola del Gothic Revival conoce en la Inglaterra del Siglo XIX, una amplitud sin parangón; el crítico de arte y teórico John Ruskin (1819 – 1900) ejerce una influencia preponderante, en la sociedad victoriana. Ruskin preconiza una visión profundamente moral del arte, al que otorga un protagonismo social. Sitúa la práctica artesanal por encima de cualquier reacción a la industrialización floreciente, y propone un concepto poético y místico de la naturaleza, ésta teniendo que ser representada de manera directa y sincera. Cuantas teorías a las que se adhieren Hunt, Millais y Rossetti, sin reservas.

P.R.B. (Pre-Raphaelite Brotherhood).

Dejándose llevar por el entusiasmo de sus veinte años, los jóvenes prerrafaelitas logran superar el carácter confuso y a veces ingenuo, de su programa, así como sus diferencias de temperamento y de estilo. Sus primeras obras, radicadas bajo el sello del prerrafaelismo, desvelan al público la existencia y el espíritu del movimiento cuya influencia va a demostrarse ser inmensa.

A partir de 1849, aparecen en algunas exposiciones londinenses, cuadros que llevan, bajo la firma del autor, el monograma P.R.B. (Pre-Raphaelite Brotherhood), del que no se desvela el significado. Rossetti presenta en primer lugar La infancia de la Virgen durante la Free Exhibition, de Hyde Park Corner, y posteriormente, lo expone de nuevo, en la Royal Academy durante el verano, junto a Isabella de Millais y Rienzi de Hunt.

En cuanto a la técnica, estos cuadros coinciden por la gran vivacidad de los coloridos, un realismo exacerbado que pretende ser una reproducción exacta de la naturaleza y una gran libertad, otorgada a las poses de los personajes. Todo ello acompañado por sabias referencias religiosas, literarias y poéticas. Los tres cuadros mostrados en la Royal Academy encuentran compradores, y la crítica se muestra más bien benevolente.

Alentados por estos comienzos, los miembros de la cofradía publican una revista, The Germ, cuyo objetivo es de “enunciar las ideas de aquellos que apoyan una estricta adhesión a la sencillez de la Naturaleza en el Arte o en la Poesía”. Solo se tiran cuatro números, entre enero y abril de 1850, pero The Germ procura sin embargo a la cofradía una visibilidad pública más importante y fragiliza el secreto, con el que los miembros quieren rodearse. Se desvela, además, el significado de las tres enigmáticas letras, P.R.B., en un artículo del Illustrated London News el 4 de Mayo de 1850.

Del rechazo al reconocimiento.

Posteriormente, la acogida reservada a los prerrafaelitas es hostil. Son el objeto de virulentos ataques, con motivo de las exposiciones de 1850 y de 1851: Se les reprocha su tratamiento trivial de los temas sacros (en particular El Cristo en casa de sus padres de Millais) ) y al final, no se les perdona su rechazo de la idealización. Sin embargo, algunas simpatías se manifiestan. Reciben en particular el apoyo de Ruskin y el refuerzo de nuevos miembros como Charles Allston Collins (1828 – 1873), Arthur Hugues (? – ?) o Walter Deverell (1827 – 1854).

En 1852, empiezan a aparecer en la pintura prerrafaelita, temas contemporáneos de dimensión social, lo que también, corresponde a una de las principales preocupaciones de Ruskin. Pero son los temas literarios que, dicho año, van a proporcionar un verdadero reconocimiento. Nutriendo su inspiración en la obra de Keats, Tennyson o Shakespeare, los prerrafaelitas se enmarcan en una tradición cultural nacional y logran hacer aceptar sus atrevimientos estéticos. Una vez más, es un cuadro de Millais que simboliza la nueva consideración de la que disfruta el grupo. Con su Ofelia, realiza una obra totalmente prerrafaelita (naturalismo meticuloso, colores tornasolados, símbolos complejos, tema literario que rompe con las representaciones clásicas). En cuanto aparece, tanto la crítica como el público ensalzan Ofelia.

La segunda generación.

Pero el éxito llega cuando la unidad de la cofradía se quebranta, cada miembro siguiendo un camino distinto: Woolner se embarca para Australia en 1852, Millais fue elegido en la Royal Academy en 1853, Hunt parte para Tierra Santa en 1854… A partir de noviembre de 1853, D. G. Rossetti escribía a su hermana: “La Mesa Redonda está ahora totalmente disuelta”. Sin embargo, aunque la cofradía desaparezca, los ideales prerrafaelitas empiezan a tener émulos, en todo Reino Unido y traspasan el marco de la pintura.

Esta “segunda generación prerrafaelita” está simbolizada por los trabajos de Edward Burne-Jones (1833 – 1898) y de William Morris (1834 – 1896). Unidos por una misma pasión por la cultura medieval, ambos hombres habían estrechado vínculos de amistad en los bancos del Exeter College de Oxford, a comienzos de la década de 1850. Unos cuantos años más tarde, Morris se orienta hacia una carrera de arquitecto y le presentan a D. G. Rossetti., convertido en el profesor de pintura de Burne-Jones. El trío Realiza varios proyectos decorativos en común (Red House de Bexley, Oxford Union, etc.) que dan un nuevo impulso y una nueva dirección al prerrafaelismo.

Paulatinamente, se abandona la vena medieval; el propio Ruskin estaba inquieto de ver como esta obsesión por la Edad Media, alejaba a los artistas de la naturaleza. Fue hacia el arte italiano, y Boticelli en particular, hacia el que se giran de ahora en adelante Burne-Jones y Rossetti. Por fin, Jane Burden (1839 – 1914) y Elizabeth Siddal (1829 – 1862), quienes se casarán respectivamente con Morris y Rossetti, se convierten en las verdaderas musas del movimiento, proporcionándole una dimensión más sensual.

Posteridad.

Bien arraigado en el paisaje artístico inglés, el prerrafaelismo extiende su influencia hasta finales del Siglo XIX. Lo encontramos en fotografía, con las obras de Julia Margaret Cameron (1815 – 1879) o Roger Fenton (1819 – 1869) y es una de las principales fuentes del arte de la ilustración en Reino Unido. Preside también el desarrollo del Aesthetic Movement, en los años 1870. Y se confunde con algunas corrientes del simbolismo. Gracias a William Morris, jefe de fila del movimiento Arts and Crafts, el prerrafaelismo se encarna de un modo preponderante en las artes decorativas, hasta retumbar en la exaltación de las líneas femeninas y vegetales del Art Nouveau.

Aunque Burne-Jones no forme parte de los miembros fundadores de la cofradía, y que desatienda la dimensión social, militante y realista, deseada por Hunt, Millais y Rossetti, se convierte, a lo largo del tiempo, en la figura más destacada del movimiento. Su obra realizando el vínculo, entre las ambiciones de los orígenes, y todas las evoluciones posteriores. El movimiento se extingue poco a poco, junto con su siglo: D. G. Rossetti muere en 1882, Millais y Morris en 1896, Burne-Jones en 1898. Hasta el final, habrán podido ver sus ideas reutilizadas y adaptadas, por artistas más jóvenes, como el pintor John William Waterhouse (1849 – 1917) y el ilustrador Aubrey Beardsley (1872 – 1898).

Obras selectas.

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James Collinson – Madre e hija con el acantilado de Culver y la Isla de Wight a lo lejos (1849 – 1850).

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John Everett Millais – Mariana (1851).

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William Holman Hunt – El pastor distraído (1851).

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James Collinson – El plan de emigración (1852).

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John Everett Millais – Ofelia (1852).

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Arthur Hughes – Amor de Abril (Circa 1855).

John William Inchbold – Un estudio, Marzo (1855).

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Henry Wallis – La muerte de Chatterton (1856).

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John Brett – Valle de Aosta (1858).

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Ford Madox Brown – La chica irlandesa (1860).

Dante Gabriel Rossetti – Venus Verticordia (1863 – 1868).

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Frederick Sandys – Morgana Le Fay (1864).

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Frederick William Burton – Encuentro en las escaleras de la torre (1864).

John Everett Millais – Juana de Arco (1865).

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Simeon Solomon – Amor en otoño (1866).

La Ghirlandata

Dante Gabriel Rossetti – La Ghirlandata (1871 – 1874).

Proserpina

Dante Gabriel Rossetti – Proserpina (1874).

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Emma Sandys – Fiammetta (1876).

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Edward Burne-Jones – La seducción de Merlín (1878).

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Evelyn de Morgan – Noche y sueño (1878).

William Holman Hunt – Amaryllis (1884).

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Marie Spartali Stillman – Mensajero del amor (1885).

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Lawrence Alma-Tadema  – Las rosas de Heliogábalo (1888).

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Valentine Cameron Prinsep – Ante la primera caricia del invierno, el verano se desvanece (1897).

Lady Godiva

John Maler Collier – Lady Godiva (Circa 1897).

Herbert James Draper - El lamento de Ícaro

Herbert James Draper – El lamento de Ícaro (1898).

Ariadne

John William Waterhouse – Ariadna (1898).

Gruta de las Ninfas de la Tempestad

Edward John Poynter – Gruta de las Ninfas de la Tempestad (1903).

Eleanor Fortescue-Brickdale - El pequeño pie de página

Eleanor Fortescue-Brickdale – El pequeño pie de página (1905).

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William Holman Hunt – La Dama de Shalott (1905).

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Edward Robert Hughes – Noche con su séquito de estrellas (1912).

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Frank Cadogan Cowper – Vanidad (Desconocida).

Galerías:

Dante Gabriel Rossetti

Sir Edward John Poynter

John William Waterhouse

John Maler Collier

Fuentes: Museo d’Orsay (Historia de la pintura prerrafaelista), elaboración propia.

 
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Publicado por en 5 abril, 2017 en Arte, Cultura

 

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The Hands Resist Him, la pintura maldita

The Hands Resist Him (Las manos lo resisten) es un óleo sobre lienzo, pintado en 1972 por Bill Stoneham, nacido en Oakland, California (Estados Unidos). En el cuadro destacan un niño y una muñeca de pie delante de una puerta con paneles de vidrio, contra la cual se aprecian manos presionando hacia dentro (las manos están del otro lado de donde se encuentran los niños). Según el artista, el niño está inspirado en una fotografía de sí mismo a los cinco años y la puerta es una representación de la línea divisoria entre el mundo de la vigilia y el mundo de la fantasía y lo imposible, mientras que la muñeca es una guía que le acompañará al niño. Las manos representan vidas o posibilidades alternativas.

La pintura adquirió cierta fama cuando se “viralizó” por Internet mediante una leyenda urbana surgida en torno a ella, cuando fue vendida en Febrero del año 2000 en el sitio web de ventas eBay debido a la peculiar descripción que la vendedora realizó sobre dicho artículo.

El artista William Stoneham pintó este cuadro en 1972 dentro del contrato que tenía con un galerista de arte para producir dos pinturas al mes por 200 dólares cada una. Inspirado por un poema que acababa de escribir su mujer, “Las manos lo resisten”, Stoneham por inspiración visual utilizó una fotografía que habían realizado sus padres adoptivos y en la que se observaba al propio Stoneham de niño junto a una niña pequeña del vecindario, ambos de pie junto a una puerta de vidrio. En la pintura, la niña aparecía representada como una muñeca con rostro cuanto menos inquietante, sin ojos y agarrando un extraño artilugio.

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Bill Stoneham de niño junto a una vecina.

En 1974 Stoneham vendió el cuadro a John Marley, conocido actor que aparece en El Padrino (The Godfather, 1972), encarnando al personaje que se despierta con una cabeza de caballo decapitada dentro de su cama, escena que se convirtió en una de las más famosas del cine del Siglo XX. Entre 1978 y 1984, Charles Feingarten, dueño de la galería que había contratado a Stoneham, así como Henry Seldis, crítico de arte (que había mencionado dicha pintura en Los Angeles Times) y el propio John Marley fallecieron. Tres personas que de un modo u otro habían tenido una relación estrecha con el cuadro y su autor.

Se perdió la pista de la pintura por un tiempo hasta que repentinamente reapareció en la trastienda de una fábrica de cerveza en California. Concretamente en el año 2000, el cuadro apareció de nuevo en un anuncio de eBay, acompañado por una descripción en la que se mencionaban multitud de hechos extraños relacionados con el mismo. Se decía lo siguiente en el anuncio: “Cuando recibimos la pintura, pensamos que se trataba de una obra de arte realmente buena”, detalló el vendedor en eBay. “Un anticuario la había encontrado abandonada en la trastienda de una vieja fábrica de cerveza. Inmediatamente nos preguntamos qué era lo que había conducido al abandono de una obra de arte de tan obvia calidad. Ahora… lo sabemos. Una noche, nuestra hija de 4 años, muy asustada, nos pidió dormir en nuestra habitación. Nos dijo que los niños que aparecen en la pintura… se estaban peleando”.

El padre terminó colocando una cámara sensible al movimiento enfocada al cuadro y según su propio testimonio: “Pude ver cómo el niño de la pintura se movía”. “Las dos últimas imágenes muestran como la muñeca cobra vida y usa un “arma” para forzar al niño a abandonar la pintura”, según informó el vendedor en 2002 a los medios de comunicación. Se afirmaba que el cuadro podría llegar a cambiar la vida de su propietario. Ante estas advertencias, el vendedor recibió infinidad de ofertas, así como mensajes en el que se le decía que sólo con ver el cuadro en el propio anuncio, habían sucedido fenómenos paranormales.

La extraña y controvertida obra de arte fue finalmente vendida por 1.025 dólares a Kim Smith, propietario de una galería de arte en Grand Rapids, (Michigan, Estados Unidos) donde aún hoy permanece. El propio Kim Smith aseguró tras comprar la pintura: “Me gustaría poder informar de sucesos extraños o escribir sobre posesiones debido al mal que reside en la pintura. Pero no es así, no he sido testigo de nada parecido, aunque debo decir que he recibido miles de correos electrónicos que me sugerían oraciones de liberación, consejos de como limpiar mi casa de las energías negativas, incluso la ayuda desinteresada de un chamán nativo americano de Mississippi. Pero yo creo que todo es fruto de la mente”.

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The Hands Resist Him (1974).

La obra solamente se ha mostrado al público en seis ocasiones desde entonces, creando siempre una gran perturbación entre los asistentes al evento, principalmente en el 2007. “Sólo pasó veinte segundos, y únicamente había silencio”, dijo Smith. Y entonces alguien afirmó: “Eso es espeluznante”, aseguró Smith a los medios de comunicación. A pesar de haber recibido cuantiosas sumas de dinero (algunas incluso de 6 cifras) por el cuadro, Smith hasta la fecha ha rechazado todas.

El autor de la pintura, Bill Stoneham, sigue recibiendo correos electrónicos de personas que aseguran sentirse mal o sufrir fenómenos extraños después de ver imágenes de la pintura en Internet. “Vivimos en una era de ciencia, duras realidades y hechos concretos, pero todavía nos sentimos atraídos por el misterio”, dijo Stoneham. “¿Y qué es más misterioso que las pinturas? Más que cualquier otro objeto, las pinturas son una especie de cosa creada por alguien usando sus manos. Y a veces, esas manos crean algo que aterroriza a la gente durante décadas”.

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Autorretrato de Bill Stoneham.

Recientemente en el año 20016, Darren Kyle O`Neill, autor del libro The Hands Resist Him: Be Careful What You Bid For, afirma que tras haber impreso una imagen del cuadro que depositó al lado de otros documentos, marchó de viaje a Italia durante un mes. A la vuelta, el aire acondicionado de la casa se había torcido y todo en la habitación tenía moho verde; la televisión, la cama, las hojas, la ropa de su hija, etc. Pero al lado de las hojas teñidas de verde, la única cosa que estaba en perfectas condiciones era la reproducción del cuadro. ¿Una manera curiosa de publicitar su libro o testimonio real acerca de otro suceso extraño más relacionado con la pintura?, este curioso misterio perdura todavía.

Fuentes: Wikipedia, mundoesotericoparanormal.com, the-line-up.com, elaboración propia.

 

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Biblioteca del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

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Sabiduría y conocimiento de siglos en papel y tinta añeja.

Fotografía y retoques por La Exuberancia de Hades (Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial).

 

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John Constable

East Bergholt (Reino Unido 🇬🇧), 11 de Junio de 1776 – Londres (Reino Unido 🇬🇧), 31 de Marzo de 1837.

Autor destacado de la pintura del Romanticismo, tuvo un inicio en el que se decantó por la pintura religiosa y los retratos pero a partir de 1820 y casi en exclusividad se dedicó a pintar paisajes de zonas cercanas a donde vivía. Constable acertó a la hora de plasmar la luz en sus cuadros y los efectos ambientales de la misma sobre la naturaleza, siempre con una pincelada espesa alejada del estilo de otros pintores británicos contemporáneos suyos.

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Paisaje de un bosque (1801 – 1802).

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Valle de Dedham (1802).

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Autorretrato (1806).

Malvern Hall, Warwickshire 1809 by John Constable 1776-1837

Malvern Hall (1809).

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Paisaje con cabañas (1810).

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Camino cerca de Flatford (1810 – 1811).

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Paisaje con doble arcoiris (1812).

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Flores en un vaso de cristal (1814).

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Valle de Stour con la iglesia de Dedham (1814).

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Construcción de barcas cerca de Flatford Mill (1815).

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Detrás de Alresford Hall (1816).

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Parque Wivenhoe, Essex (1816).

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Retrato de Maria Bicknell (1816).

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La bahía de Weymouth (Circa 1816).

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Cabaña en un maizal (1817).

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El molino de Dedham (1820).

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El carro de heno (1821).

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Estudio del tronco de un olmo (Circa 1821).

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Estudio de nubes (1822).

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La Catedral de Salisbury, vista desde el jardín del palacio arzobispal (1823).

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La esclusa (1824).

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Estanque de Branch Hill (1824 – 1825).

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Estudio de paisaje marino con nubes de lluvia (Circa 1824).

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El maizal (1826).

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Castillo de Hadleigh (1828 – 1829).

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Escena en un río (1830 – 1837).

La Catedral de Salisbury vista a través de los campos

La Catedral de Salisbury vista a través de los campos (1831).

Netley Abbey by Moonlight circa 1833 by John Constable 1776-1837

Abadía Netley a la luz de la Luna (Circa 1833).

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Cenotafio a la memoria de Sir Joshua Reynolds (1833 – 1836).

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Granja en el valle (1835).

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Stonehenge (1835).

Caballo saltando

Caballo saltando (Desconocida).

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Escena de costa con nubes tapando el Sol (Desconocida).

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Estudio de amapolas (Desconocida).

Tronco y ramas bajas de un árbol

Tronco y ramas bajas de un árbol (Desconocida).

 
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Publicado por en 22 febrero, 2017 en Arte, Cultura

 

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He-Man y los Masters del Universo (Ilustraciones)

Masters of the Universe o los Masters del Universo, conocido por sus siglas MOTU, es una franquicia de figuras de acción, series de televisión, películas, historietas y vídeo juegos creado en 1981 por Mattel. Las primeras figuras de acción de la línea diseñados por Roger Sweet para Mattel, fueron lanzados en 1981, con un tamaño de 13,8 centímetros. El universo MOTU fue creado a través de minicómics que acompañaban a los juguetes. En estos primeros cómics se presentan los dos personajes principales He-Man (el hombre más poderoso en el universo) y su némesis, el malvado hechicero Skeletor, los aliados de He-Man, Man-At-Arms, Teela, Battle Cat, y Stratos, además de los secuaces de Skeletor: Beast-Man y Mer-Man. También se hacer referencia al planeta Eternia y al uso tanto de de tecnología (pistolas de rayos, vehículos, maquinarias, etc.) como magia.

Posteriormente, DC Comics creó una serie regular y una miniserie de tres números en 1982. En estos cómic se introdujeron conceptos como el alter ego de He-Man, el Príncipe Adam de la Casa de Miro (hijo de la familia real de Eternia).

El universo de las figuras dio lugar a He-Man y los Masters del Universo, una serie de televisión animada estadounidense producida por Filmation basada en la línea de juguetes mencionada anteriormente. La serie fue estrenada en 1983 y finalizó en 1985, constando de dos temporadas de 65 episodios cada una. Además estaba destinada al público masculino de entre 3 y 10 años de edad; sin embargo, su popularidad llegó a conquistar también al público femenino y a personas de todas las edades, incluidos adolescentes y adultos en determinadas edades.

La serie tiene lugar en el ficticio y mágico planeta de Eternia. Su personaje principal es el príncipe Adam, el joven hijo de los gobernantes de Eternia, Rey Randor y la Reina Marlena. Cada vez que el príncipe Adam tiene la Espada del Poder en alto y proclama: “¡Por el poder de Grayskull! ¡Yo tengo el poder!”. Está dotado con fabulosos poderes secretos y se transforma en He-Man, el hombre más poderoso en el universo. Junto con sus aliados cercanos, Battle Cat (quien sufre una transformación similar de ser cobarde tigre mascota de Adam, Cringer), La Hechicera Sorceress, Man-At-Arms y Orko, He-Man utiliza sus poderes para defender Eternia de las fuerzas del maléfico Skeletor. El objetivo principal de Skeletor es conquistar la misteriosa fortaleza del Castillo de Grayskull, de la que He-Man extrae sus poderes. Si tiene éxito, Skeletor tendría suficiente poder para gobernar Eternia y, posiblemente, el universo enteroAdemás tiene una hermana gemela llamada She-Ra, cuyo identidad secreta es Adora también hija de los gobernantes de Eternia y que vive en otro planeta mágico llamado Etheria. Su hermana al igual que He-Man, posee también los mismos poderes y ambos tienen la misión de cumplir y luchar a favor de la justicia, la libertad y los derechos de cualquier criatura viviente.

Intro de la serie.

Dentro del aspecto de las figuras de acción, cabe destacar la gran calidad de las ilustraciones que acompañaban a las cajas de dichos juguetes, ilustraciones realizadas por Earl Norem y William George entre otros y que hoy resultan prácticamente iconos de la infancia de muchos amantes de estas figuras en concreto y de los Masters del Universo en general. Personalmente tuve varias figuras, Cueva del Terror incluida, y guardo muy buen recuerdo de ellas.

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En los últimos años se ha producido una reedición oficial de las figuras de los Masters del Universo. Cabe destacar su elevado precio en comparación con las originales, algo unido también a lo limitado de su producción.

El libro El Arte de He-Man y los Masters del Universo, publicado por ECC Cómics realiza una exhaustiva recopilación en 320 páginas de ilustraciones de los 35 años de historia de los Masters del Universo:

http://www.elmundo.es/cultura/2016/12/31/58662562268e3e563d8b45bd.html

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La película de los Masters del Universo (Masters of The Universe) con actores de carne y hueso se estrenó en 1987, estaba protagonizada por Dolph Lundgren, Frank Langella y Courteney Cox.

Ilustraciones.

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Fuentes: Wikipedia, Google (fotografías), monsterbrainskobayashisdomain, elaboración propia.

 
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Publicado por en 8 febrero, 2017 en Arte, Cine, Cultura, Entretenimiento, Libros

 

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