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Yūrei & Gaki, fantasmas japoneses

Yūrei y Gaki son figuras pertenecientes al folclore japonés y que guardan una importante analogía con las leyendas de fantasmas y malos espíritus occidentales.

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Sawaki Sūshi – Yūrei (1737).

Yūrei.

Los yūrei (幽霊) son fantasmas japoneses. Como sus similares occidentales, se piensa que son espíritus apartados de una pacífica vida tras la muerte debido a algo que les ocurrió en vida, falta de una ceremonia funeraria adecuada, o por cometer suicidio. Usualmente aparecen entre las dos de la madrugada y el amanecer, para asustar y atormentar a aquellos que les ofendieron en vida, pero sin causar daño físico.

Tradicionalmente, son femeninos, y están vestidos con una mortaja, un kimono funerario, blanco y abrochado al revés. Normalmente carecen de piernas y pies (en el teatro tradicional se simula esto con un kimono más largo de lo normal), y frecuentemente están acompañados por dos fuegos fatuos (hi-no-tama), de colores azul, verde o púrpura. Estas llamas fantasmales son partes separadas del fantasma más que espíritus independientes. Los yūrei también suelen tener un trozo triangular de papel o tela (hitaikakushi (額隠?), en su frente. La mayoría de estos fantasmas son representados con cabello largo y negro, siendo otra de sus características principales. Como muchos monstruos del folklore japonés, los yūrei pueden ser repelidos con ofuda (御札?), escrituras sintoístas santificadas.

Dentro de los yūrei hay varias categorías de fantasmas, dependiendo principalmente del modo en el murieron en vida o por su razón en volver a la tierra.

  • Onryō: Son fantasmas vengativos que vuelven del purgatorio por un mal hecho a ellos durante su vida.
  • Ubume: Es el fantasma de una madre que murió durante el parto, o murió dejando niños pequeños. Estos yūrei suelen regresar para cuidar de sus hijos y a menudo les traen dulces.
  • Goryō: Son fantasmas vengativos de la clase aristocrática, en especial aquellos que fueron martirizados.
  • Funayūrei: Son los fantasmas de los que fallecieron en el mar.
  • Zashiki-warashi: Son fantasmas de niños, más traviesos que peligrosos.
  • Fantasmas guerreros: Veteranos de las guerras Genpei que cayeron en batalla. Aparecen casi exclusivamente en el teatro Nō.
  • Fantasmas seductores: Es el fantasma de un hombre o una mujer quienes después de muertos inician un romance con un humano vivo.

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Maruyama Okyo – El fantasma de Oyuki (1750). Esta es la primera representación artística de un yūrei tradicional.

Algunas de las historias de yūrei más conocidas son:

  • Okiku: Se dice que se aparece en el Castillo de Himeji. La historia cuenta que hace doscientos años, vivía un jefe de policía llamado Aoyama Shuzen que se alojaba en la calle Bansho, en Tokio. Su trabajo consistía en capturar ladrones y pirómanos, y era hombre violento y cruel, sin atisbo de corazón o compasión. Shuzen tenía en su casa una sirviente llamada Okiku. Ella se había educado en su familia desde la infancia y conocía bien el temperamento de su amo. Un día, por accidente, rompió un plato de preciosa porcelana de un conjunto formado por diez. Sabía que pagaría por este descuido, pero pensó que si intentaba esconderlo el castigo sería mucho peor. Así que temblando de miedo, fue a ver a la mujer de su amo y le confesó lo que había hecho. Cuando Shuzen volvió y vio que uno de sus platos preferidos estaba roto, montó en cólera, la ató y la golpeó y cada día le cortaba un dedo. Okiku, agonizante, no podía hacer nada apenas, pero logró finalmente desatarse y escapar al jardín y se tiró a un pozo para ahogarse. Desde ese día, cada noche una voz sale del pozo y cuenta: “Un plato, dos platos, tres platos… hasta nueve, y luego se echa a llorar. Okiku pertenece a la leyenda Banchō Sarayashiki (番町皿屋敷).
  • Oiwa: Es un onryō, fantasma que busca venganza. Su fuerte pasión por la venganza le permite atravesar el puente de regreso al mundo de los vivos. Oiwa comparte las características más comunes del fantasma japonés, incluyendo el vestido blanco que representa el kimono que habría vestido, el cabello largo y desordenado y la cara blanca/violácea propia del fantasma en kabuki. Hay también rasgos específicos que la separan de otros onryō. El rasgo más famoso es su ojo derecho, que cuelga como resultado del veneno que le dio Iemon. Este rasgo es exagerado en kabuki para darle a Oiwa su apariencia particular. Oiwa es también parcialmente calva a consecuencia del veneno que tomó. En una escena espectacular de la obra de kabuki, la Oiwa de carne y hueso se sienta en frente del espejo y peina su cabello que se cae por efecto del veneno. Su cabello se acumula en montones de gran altura, efecto producido por alguien sentado debajo del escenario que empuja más y más cabello a través del suelo. Oiwa aparece en la obra Yotsuya Kaidan, la más famosa historia japonesa sobre fantasmas, escrita en 1825 por Tsuruya Nanboku IV.
  • El famoso Bosque de Aokigahara, situado en la falda Noroeste del Monte Fuji, es una localización popular para el suicidio en Japón y cuenta con numerosas leyendas de apariciones fantasmales y otros fenómenos extraños.  

La forma más fácil de exorcizar un yūrei es ayudar a cumplir su propósito. Cuando la razón de la fuerte unión del espíritu a la tierra y la emoción se ha ido, el yūrei está satisfecho y puede seguir adelante. Tradicionalmente esto se logra por miembros de la familia ejerciendo venganza sobre el yūrei acosador, o cuando el fantasma consuma su pasión/amor con su amante previsto, o cuando sus restos se descubren y se les da un entierro adecuado con todos los ritos necesarios realizados. Las emociones del onryō son particularmente fuertes, y ellos son los menos propensos a ser pacificado por estos métodos de “exorcismo”.

Monjes budistas y ascetas son en ocasiones contratados para llevar a cabo rituales en aquellas muertes inusuales o desgraciadas que pueden llevar a la aparición de un fantasma vengativo, de un modo similar a un exorcismo. En ocasiones estos fantasmas son deificados para aplacar sus espíritus.

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Tsukioka Yoshitoshi – Shimobe Fudesuke y el fantasma de la mujer en la cascada (Circa 1865).

Tsukioka Yositoshi - Yūrei

Tsukioka Yositoshi – Yūrei (Desconocida).

Con el nombre de Yurei-zu (幽霊図) se conoce al género japonés que consiste en pinturas o grabados de fantasmas, demonios y otros seres sobrenaturales. Estas obras alcanzaron su cumbre de fama durante mediados y finales del Siglo XIX.

Los yūrei han sido protagonistas de multitud de películas japonesas de gran éxito dentro y fuera del país nipón. El Círculo (Ringu リング, 1998), Dark Water (仄暗い水の底から, 2002), Ju-on: The Grudge (呪怨, 2003), son algunas de las más destacadas, entre otras.

Gaki.

En el marco de las mitologías budista, hinduista y jaina, un preta es un tipo de espíritu atormentado (el alma de un fallecido) que soporta más sufrimientos que los humanos, particularmente del hambre y de la sed en un grado extremo. La palabra sánscrita preta deriva de pra-ita, literalmente “alguien que se ha ido”. Originalmente se refería a los espíritus de los muertos. Más tarde en la época puránica y budista, el término quedó confinado a un tipo de espíritu malvado e infeliz.

En la mitología budista, el reino de los pretas, también conocido como el “reino de los espíritus hambrientos”, se basa en el estado de ser posesivo y en el deseo. A partir del chino se traducen a menudo como ‘espíritus hambrientos’, lo que a su vez deriva de las fuentes indias tardías, generalmente seguidas por el budismo Mahāyāna. En textos más antiguos del budismo (como el Petavatthu), son mucho más variados. Las descripciones de abajo se aplican principalmente a su contexto restringido.

Se cree que un preta fue una persona envidiosa o avara durante su vida previa como ser humano. Como resultado de su karma, padece un hambre insaciable de una sustancia determinada o por un objeto (tradicionalmente, algo repugnante o humillante, como cadáveres humanos o materia fecal, aunque en historias más recientes puede ser cualquier cosa estrambótica). En las versiones tibetanas del texto Bhavacakra son dibujados con cuellos delgados para representar esta condición.

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Representación treadicional de un Gaki.

En Japón, la palabra preta es traducida como gaki 餓鬼 (fantasma hambriento). Desde el año 657, algunos budistas japoneses guardan un día especial a mediados de Agosto para recordar a los gaki. Se cree que, a través de ofrendas y oraciones (segaki), los pretas pueden ser liberados de su tortura eterna. Considerados la reencarnación de aquellas personas que fueron codiciosas durante su vida que renacen como fantasmas famélicos con grandes vientres hinchados pero completamente vacíos, una joroba, una pequeña boca fruncida y un delgado cuello por el cual se hace imposible tragar. Invisibles al ojo humano en principio, merodean alrededor de las casa y buscan desechos en callejones y cementerios, devorando cosas repugnantes como cosas repugnantes como cuerpos en descomposición o heces de animales, también son notorias sus ansias por la sangre, pero por más que lo intenten no logran ingerir nada.

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Pergamino japonés que muestra a fantasmas hambrientos y la manera de aplacarlos (Museo Nacional de Kioto, Siglo XII).

Fuentes: Wikipedia, elaboración propia.

 

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El Arca de la Alianza

La palabra hebrea aron, usada para denotar el Arca de la Alianza, no nos recuerda una construcción grande, como en el caso del Arca de Noé, sino más bien un cofre o baúl. Generalmente el texto sagrado determina el uso de la palabra; así leemos del Arca del Testimonio (Éxodo 25, 16.22; 26, 33, etc.), el Arca del Testamento (Éxodo 30, 26), el Arca de la Alianza de Yahveh (Números 10, 33; Deuteronomio 10, 8, etc.), el Arca de la Alianza (Josué 3,6, etc.), el Arca de Dios (1 Samuel 3,3, etc.), el Arca de Yahveh (1 Samuel 4, 6, etc.). De todas estas expresiones, la que se ha vuelto más familiar es el “Arca de la Alianza”.

El Arca de la Alianza era una especie de cofre que medía dos codos y medio de largo, codo y medio de ancho y medio codo de alto (medida de longitud equivalente a 45 centímetros). Estaba hecha de madera de acacia, revestida por dentro y por fuera con el oro más puro y tenía a su alrededor una moldura o reborde de oro. Para transportarla tenía en las cuatro esquinas, probablemente en el borde superior, cuatro anillas doradas, a través de las cuales se pasaban dos varales de madera de acacia revestidos de oro, los cuales debían permanecer siempre en las anillas, aun cuando el Arca fuese colocada en el Templo de Salomón. La tapa del Arca, llamada “propiciatorio” (la palabra hebrea correspondiente significa tanto “cubrir” como “hacer la expiación”), era también del oro más puro (Éxodo 25, 10-17).

Sobre el propiciatorio se colocaron dos querubines de oro macizo, uno de cara al otro, con las alas extendidas de modo que cubrieran ambos lados del propiciatorio. Es imposible determinar qué eran exactamente estos querubines; sin embargo, por la analogía con el arte religioso egipcio, se puede suponer que eran imágenes de personas aladas, arrodilladas o de pie. Vale la pena señalar que ésta es la única excepción a la Ley que prohibía a los israelitas hacer imágenes talladas, una excepción tanto más inofensiva a la fe de los israelitas en un Dios espiritual porque el Arca regularmente se mantendría detrás del velo del santuario.

La forma del Arca de la Alianza probablemente fue inspirada por algún artículo del mobiliario de los templos egipcios; pero no debe ser representada como uno de aquellos bari sagrados, o bricbarcas (barco de tres palos), en los que se transportaba solemnemente en procesión a los dioses egipcios; probablemente fue modelada como el patrón de las naos de oro, plata o madera preciosa que contenían las imágenes de los dioses y emblemas sagrados. Según algunos historiadores de Israel modernos, el Arca, de todos modos análoga a los bari usados en la riveras del Nilo, contenían los objetos sagrados venerados por los hebreos, quizás alguna piedra sagrada, meteórica u otra. Tal declaración procede de la opinión que durante su vida nacional temprana los israelitas eran dados no sólo a la idolatría, sino a su forma más tosca, el fetichismo; que primero adoraron a Yahveh en las cosas inanimadas, luego lo adoraron en el toro, como en Dan y Betel, y que sólo alrededor del Siglo VII se elevaron a su concepción de un Dios invisible y espiritual. Pero esta descripción de la historia religiosa israelita no concuerda con las conclusiones más recientes derivadas de los textos. La idolatría de los hebreos no se puede probar más que su politeísmo; por lo tanto el Arca, lejos de ser vista como en la opinión antedicha, debe más bien ser considerada como una señal de la elección que Yahveh había hecho de Israel como su pueblo, y un signo visible de su presencia invisible en medio de su amada nación.

Arca de la Alianza

Réplica del Arca de la Alianza realizada por la empresa Hasbro (Transformers).

Al principio el Arca estaba destinada a contener el testimonio, es decir, las Tablas de la Ley (Éxodo 40, 20; Deuteronomio 10, 5). Luego se le ordenó a Moisés colocar en el tabernáculo, cerca del Arca, una vasija dorada conteniendo un gomor de maná (Éxodo 16, 34), y la vara de Aarón que había florecido (Números 17, 23). Según el autor de la Epístola a los Hebreos (9,4) y las tradiciones judías, éstas fueron puestas dentro del Arca misma. Algunos comentadores, con Calmet, afirman que el libro de la Ley escrito por Moisés había sido asimismo incluido en el Arca; pero el texto dice sólo que el susodicho libro estaba colocado “al lado del Arca” (Deuteronomio. 31,26); además, no está claro cómo se debe interpretar este libro, si era el Pentateuco completo, o el Deuteronomio, o parte de él, aunque el contexto parece favorecer las últimas interpretaciones. Como quiera que sea, sabemos por 1 Reyes 8,9, que cuando el Arca fue colocada en el Templo de Salomón, contenía sólo las Tablas de la Ley.

La parte más sagrada del Arca parece haber sido el oráculo, es decir, el lugar desde donde Yahveh hacía sus prescripciones a Israel. “Allí”, el Señor le había dicho a Moisés, “me encontraré contigo, desde encima del propiciatorio, de en medio de los dos querubines colocados sobre el arca del Testimonio, te comunicaré todo lo que haya de ordenarte para los israelitas. (Éxodo 25, 22). Y de hecho leemos en Números 7, 89 que Moisés “entraba a la Tienda del Encuentro para hablar con Él, oía la voz que le hablaba de lo alto del propiciatorio que está sobre el arca del Testimonio, de entre los dos querubines.”

Yahveh solía hablar a su siervo en una nube sobre el oráculo (Levítico 16, 2). Probablemente, ese era también el modo en que se comunicaba con Josué después de la muerte del primer líder de Israel (Josué 7, 6-11). El oráculo era, por así decirlo, el corazón mismo del santuario, el lugar de la morada de Dios; de ahí que leemos en algunos pasajes del Antiguo Testamento que Yahveh “se sentaba sobre (o más bien, por) el querubín”.

En los últimos años de la historia de Israel los rabinos judíos, con motivo de la reverencia a la santidad de Dios, evitaban pronunciar cualesquiera de los nombres que designaban a la Divinidad en el lenguaje hebreo, tales como El, Elohim, etc., y mucho menos Yahveh, el nombre inefable, es decir, un nombre impronunciable para ninguna lengua humana; en lugar de éstos, ellos usaban metáforas o expresiones que hacían referencia a los atributos divinos. Entre éstos, se volvió muy popular la palabra shekinah, la cual significaba la presencia divina (de shakhan, habitar), de ahí la gloria divina, y había sido sugerida por la creencia en la presencia de Dios en una nube sobre el propiciatorio. El Arca no sólo significaba la presencia en medio de su pueblo, sino que también indicaba las empresas belicosas de Israel; en consecuencia, no podía caer un mayor mal sobre la nación que la captura del Arca por sus enemigos como vemos que sucedió hacia el final del período de los Jueces y quizás también en la toma de Jerusalén por el ejército babilonio en 587 a. C.

Biblia de Maciejowski - David llevando el Arca a Jerusalén

Biblia de Maciejowski – David llevando el Arca a Jerusalén (Siglo XIII).

Las muy ricas horas del Duque de Berry – El Arca transportada al templo (Siglo XV).

Historia.

Según la narrativa sagrada registrada en Éxodo 25, 10-22, Dios mismo había dado la descripción del Arca de la Alianza, así como la del tabernáculo y todos sus accesorios. La orden de Dios fue cumplida al pie de la letra (Éxodo 37, 1-9) por Besalel, uno de los hombres diestros nombrados “para concebir y realizar proyectos en oro, plata y bronce, para labrar piedras de engaste, tallar la madera y ejecutar cualquier otra labor de artesanía” (Éxodo 35, 32-33). Ese día Dios mostró su complacencia al llenar el tabernáculo del testimonio con su gloria, y al cubrirla con la nube que desde entonces sería para su pueblo una señal que los guiaría en sus viajes. No todos los levitas estaban autorizados a guardar el santuario y el Arca, sino que este oficio se le confió a los parientes de Quehat (Números 3, 28).

Durante la vida en el desierto, cuando se levantaba el campamento, Aarón y sus hijos iban al tabernáculo de la alianza y al Santo de los Santos, descolgaban el velo protector que colgaba en la puerta, cubrían con él el Arca del Testimonio, le ponían una cubierta de cuero fino, luego un paño todo de púrpura, y le ponían los varales (Números 4, 5-6). Cuando el pueblo plantaba sus tiendas para acampar por algún tiempo en algún lugar, todo se colocaba de nuevo en su orden usual. Durante los viajes el Arca iba antes que el pueblo; y cuando era levantada ellos decían: “Levántate, Yahveh, que tus enemigos se dispersen, huyan delante de ti los que te odian.” Y cuando se detenían decían: “Vuelve, Yahveh, a las miríadas de Israel.” (Números 10, 33-36). Así el Arca presidía sobre todos los viajes y estaciones de Israel durante su vida nómada en el desierto.

Como se ha dicho antes, el cofre sagrado era el signo visible de la presencia y protección de Dios. Esto se mostró del modo más impactante en diferentes circunstancias. Cuando los espías que habían sido enviados a explorar la Tierra Prometida regresaron y dieron su informe, surgieron murmuraciones en el campamento, que ni las amenazas ni incluso la muerte de los autores pudieron calmar. Contra la voluntad de Dios, muchos israelitas subieron a la montaña para enfrentarse a los amalecitas y cananeos: “ni el arca de la alianza de Yahveh ni Moisés se movieron del campamento” (Números 14, 44). Y los enemigos bajaron y batieron y destrozaron a los presuntuosos hebreos a quienes Dios no ayudaba. Las próximas dos manifestaciones del poder de Yahveh a través del Arca ocurrieron bajo el liderazgo de Josué. Cuando el pueblo estaba a punto de cruzar el Jordán, “los sacerdotes llevaban el arca de la alianza a la cabeza del pueblo. Y en cuanto los que llevaban el arca llegaron al Jordán, y los pies de los sacerdotes que llevaban el arca tocaron la orilla de las aguas… las aguas que bajaban de arriba se detuvieron y formaron un solo bloque a gran distancia… mientras que las que bajaban hacia el mar de la Arabá, o Mar de la Sal, se separaron por completo, y el pueblo pasó frente a Jericó. Los sacerdotes que llevaban el arca de la alianza de Yahveh se estuvieron a pie firme, en seco; en medio del Jordán, hasta que toda la gente acabó de pasar el Jordán.” (Josué 3, 14-17).

Pocos días después, Israel sitió a Jericó. Por orden de Dios el Arca fue cargada en procesión alrededor de la ciudad durante siete días, hasta que las murallas se derrumbaron al sonido de las trompetas y los gritos del pueblo, dándole así al ejército atacante una abertura al lugar (Josué 6, 6-21). Luego, después de tomar e incendiar a Ay, vemos que el Arca ocupa el lugar más prominente en la solemne reunión del pueblo realizada entre el Monte Garizim y el Monte Ebal (Josué 8, 33).

Arca de la Alianza cubierta

El arca cubierta es portada por sacerdotes levitas con varas de oro, mientras otros sacerdotes hacen sonar las trompetas durante el asedio de Jericó (Grabado del Siglo XVIII).

Al establecerse los israelitas en la Tierra Prometida, se hizo necesario escoger un lugar para erigir el tabernáculo y mantener el Arca de la Alianza; se seleccionó a Silo, en el territorio de Efraín, cerca del centro del territorio conquistado (Josué 18, 1). Allí, de hecho, encontramos la “Casa del Señor” (Jueces 18, 31; 20, 18), durante el período obscuro que precedió al establecimiento del Reino de Israel, con su sumo sacerdote, a cuyo cuidado se había confiado el Arca. ¿Se quedó permanentemente en Silo el precioso paladión de Israel, o era sacado de allí cuando una emergencia lo requería, como, por ejemplo, durante expediciones guerreras? Este punto apenas se puede afirmar. Sea como fuere, la narrativa que cierra el Libro de los Jueces supone la presencia del Arca en Betel. Es cierto que algunos comentadores, siguiendo a San Jerónimo, traducen aquí la palabra Betel como si fuese un nombre común (casa de Dios); pero su opinión parece apenas reconciliable con los otros pasajes donde se halla el mismo nombre, pues los mismos se refieren indudablemente a la ciudad de Betel.

Este no es el lugar para discutir en detalle las diversas explicaciones presentadas para zanjar la dificultad; base decir que no autoriza al lector a concluir, como han hecho muchos, que probablemente existían varias Arcas dispersas por el territorio de Israel. Este señalamiento, de que el Arca era transportada aquí y allá según lo requirieran las circunstancias, es demostrado por lo que leemos en la narración de los eventos que produjeron la muerte de Elí. Los filisteos le habían hecho la guerra a Israel, cuyo ejército en el primer encuentro le dio la espalda al enemigo, fueron derrotados completamente y sufrieron grandes pérdidas. A partir de esto los ancianos del pueblo sugirieron que el Arca de la Alianza fuese traída ante ellos para salvarlos de manos de sus enemigos. Así que el Arca fue traída de Silo y la recibieron en el campamento tales aclamaciones de los israelitas que los corazones de los filisteos se llenaron de pánico. Confiando en que la presencia de Yahveh en medio de su ejército significaba cierta victoria, el ejército hebreo emprendió de nuevo la batalla, para encontrarse con una derrota aún más desastrosa que la primera, y lo que completó la catástrofe fue que el Arca de Dios cayó en manos de los filisteos (1 Samuel 4).

Según la narrativa bíblica, comenzaron para el cofre sagrado una serie de memorables peregrinaciones a través de las ciudades del sur de Palestina, hasta que fue llevada solemnemente a Jerusalén, y nunca más regresó a su antiguo lugar en Silo. Los filisteos opinaron que la toma del Arca significaba una victoria de sus dioses sobre el Dios de Israel, por lo tanto la llevaron a Asdod y la colocaron como un trofeo en el templo de Dagón. A la mañana siguiente hallaron que Dagón había caído de bruces en tierra delante del Arca; lo levantaron y lo colocaron de nuevo en su lugar, y a la mañana siguiente hallaron de nuevo a Dagón en el piso, malamente mutilado. Al mismo tiempo una cruel enfermedad (quizás la plaga bubónica) azotó a los asdodeos, mientras que una terrible invasión de ratas afligió a todo el territorio circundante. Muy pronto se le atribuyeron estos castigos a la presencia del Arca dentro de las paredes de la ciudad, y los consideraron como un juicio directo de Yahveh. Por lo tanto la asamblea de los gobernantes filisteos decidió remover el Arca de Asdod y llevarla a otro lugar. Fue llevada sucesivamente a Gat y a Ecrón, a donde el Arca llevó consigo los mismos azotes que habían causado su remoción de Asdod. Finalmente, luego de siete meses, por sugerencia de sus sacerdotes y adivinadores, los filisteos decidieron renunciar a su pavoroso trofeo.

James Jacques Joseph Tissot - Moisés y Josoué arrodillados ante el Arca (Circa 1896 - 1902)

James Jacques Joseph Tissot – Moisés y Josoué arrodillados ante el Arca (Circa 1896 – 1902).

La narrativa bíblica adquiere aquí un interés especial para nosotros, por la visión que obtenemos del espíritu religioso entre los pueblos antiguos. Construyeron una carreta nueva, tomaron dos vacas que estaban criando, las uncieron a la carreta y encerraron sus becerros en el establo. Pusieron el Arca sobre la carreta, junto con una pequeña caja que contenía ratas doradas e imágenes de sus tumores. Entonces las vacas por sí mismas tomaron el camino derecho hacia el territorio de Israel. Tan pronto los betsemitas reconocieron el Arca sobre la carreta que venía hacia ellos, fueron gozosos a su encuentro. Cuando la carreta llegó al campo de un cierto Josué, se detuvo allí, y como allí había una gran piedra, astillaron la madera de la carreta y ofrecieron las vacas en holocausto a Yahveh. Con este sacrificio terminó el exilio del Arca en la tierra de los filisteos. Sin embargo, el pueblo de Bet Semes no disfrutó por largo tiempo la estancia del Arca entre ellos. Algunos de ellos no se alegraron cuando la vieron, por lo cual Dios los castigó severamente: setenta hombres fueron castigados por su atrevimiento (el texto generalmente aceptado dice setenta hombres y cincuenta mil del pueblo, pero esto es apenas creíble pues Bet Semes era sólo un pequeño lugar en el campo). Asustados por esta señal de la ira divina, los betsemitas enviaron mensajeros a los habitantes de Quiryat Yearim para decirles que los filisteos habían devuelto el Arca, y los invitaron a llevarla a su propio pueblo. Así los hombres de Quiryat Yearim vinieron y se llevaron el Arca a la casa de Abinadab, a cuyo hijo Eleazar consagraron a su servicio (1 Samuel 7,1).

El texto hebreo real, así como la Vulgata y todas las traducciones que dependen de ella, insinúan que el Arca estaba con el ejército de Saúl en la famosa expedición contra los filisteos, narrada en 1 Samuel 14. Este es un error debido probablemente a algún escriba quien, por razones teológicas, sustituyó el “Arca de Dios” por el efod. La traducción griega da aquí la variante correcta; en ningún otro sitio, de hecho, en la historia de Israel, oímos del Arca de la Alianza como un instrumento de adivinación. Por lo tanto, se puede afirmar con certeza que el Arca permaneció en Quiryat Yearim hasta la época de David. Es natural que después que ese príncipe tomó a Jerusalén y la hizo capital de su reino, el desearía hacerla también su centro religioso, con cuyo propósito desearía llevar allí el Arca de la Alianza. De hecho, el Arca indudablemente gozaba de gran veneración entre el pueblo; era vista como el paladión con el cual se asociaba hasta ese entonces tanto la vida religiosa como política de Israel. Por lo tanto, nada pudo realizar más adecuadamente el deseo de David que tal traslado.

Benjamin West - Josué pasando el Río Jordán con el Arca de la Alianza

Benjamin West – Josué pasando el Río Jordán con el Arca de la Alianza (1800).

Leemos en la Biblia dos relatos de tan solemne evento: el primero se halla en el capítulo 6 del Segundo Libro de Samuel; en el otro, de fecha muy posterior, el cronista recopiló la mayor parte del relato anterior con algunos elementos que reflejan las ideas e instituciones de su propio tiempo (1 Crónicas 13). Según la narración de 2 Samuel 6, que es la que seguiremos, David fue con gran pompa a Baalá de Judá, o Quiryat Yearim, para llevarse de allí el Arca de Dios. Fue puesta sobre una carreta nueva y sacada de la casa de Abinadab. Ajyó y Uzzá, hijos de Abinadab, guiaban la carreta, el primero al frente y el segundo al lado, mientras que el rey y el pueblo que estaban con él, escoltaban el cofre sagrado bailando, cantando y tocando instrumentos. Sin embargo, ese día, como el de la venida del Arca a Bet Semés, fue entristecido por la muerte. En cierto punto de la procesión los bueyes resbalaron, Uzzá inmediatamente extendió la mano para sujetar el Arca, pero cayó muerto al instante. David, asustado por este incidente, y ahora renuente a llevar el Arca a Jerusalén, la hizo llevar a la casa de Obededom de Gat, que estaba probablemente en las cercanías de la ciudad. La presencia del Arca fue una fuente de bendición para la casa donde estaba.

Estas noticias animaron a David a completar la obra comenzada. Tres meses después del traslado, por lo tanto, vino de nuevo con gran solemnidad y removió el Arca de la casa de Obededom a la ciudad, donde fue colocada en su lugar en medio del tabernáculo que David había hecho levantar para ella. Una vez más fue sacada el Arca de Jerusalén cuando David tuvo que huir debido a la rebelión de Absalón. Mientras el rey estaba en el valle del Cedrón, el pueblo pasaba ante él hacia el desierto. Entre ellos estaban Sadoq y Abiatar, llevando el Arca; cuando David los vio, les ordenó devolver el Arca a la ciudad: “Si he hallado gracia a los ojos de Yahveh, me hará volver y me permitirá ver el Arca y su morada”. Cumpliendo esta orden, Sadoq y Abiatar devolvieron el Arca a Jerusalén (2 Samuel 15, 24-29). Sin embargo, la tienda que David había levantado para guardar el Arca no sería su última morada. El rey de hecho había pensado en un templo más digno de la gloria de Yahveh. Aunque la construcción de ese edificio sería obra de su sucesor, David mismo se tomó a pecho la consecución y preparación de los materiales para su erección.

Desde el mismo comienzo del reinado de Salomón, éste mostró la mayor reverencia hacia el Arca, especialmente después del misterioso sueño en que Dios le contestó su petición de sabiduría prometiéndole sabiduría, riquezas y honor, él ofreció holocaustos y sacrificios de comunión ante el Arca de la Alianza de Yahveh. (1 Reyes 3, 15). Cuando el Templo y todos sus accesorios hubieron sido terminados, Salomón, antes de la dedicación, reunió a los ancianos de Israel, para que trasladaran solemnemente el Arca desde el lugar donde David la había colocado hasta el Santo de los Santos. De vez en cuando se sacaba de allí, ya sea para acompañar expediciones militares, o para aumentar el esplendor de las celebraciones religiosas, quizás también para cumplir los deseos impíos de reyes malvados. No importa cómo haya sido, el cronista nos dice que Josías ordenó a los levitas regresarla a su lugar en el Templo, y les prohibió sacarla de allí en el futuro (2 Crónicas 35, 3). Pero la memoria de este carácter sagrado pronto pasaría. En una de sus profecías referentes a los tiempos mesiánicos, Jeremías anunció que sería olvidada completamente: “no se hablará más del Arca de la Alianza de Yahveh, no vendrá en mientes, no se acordarán ni se ocuparán de ella, ni será reconstruida jamás.” (Jeremías 3, 16).

James Jacques Joseph Tissot - El Arca de la Alianza

James Jacques Joseph Tissot – El Arca de la Alianza (Circa 1896 – 1902).

Localización actual.

Oculta en el Monte Nebo: Antes de la invasión de los babilonios se dice que el Profeta Jeremías la hizo enterrar en el Monte Nebo (Jordania).

Llevada a Zimbabue: La tribu africana Lemba, la cual presume de ascendencia israelita, ha afirmado en sus tradiciones que sus antepasados, cuando llegaron al sur de África, trajeron consigo una reliquia sagrada llamada Ngoma lungundu o “la voz de Dios”, la cual estuvo un tiempo escondida en una cueva profunda en las montañas Dumghe, su hogar espiritual hasta que fue llevada a un museo, donde se encuentra actualmente.

Oculta en la Iglesia de Santa María de Sion en Aksum: En 1989, un periodista británico, Graham Hancock, aseguró que la legendaria arca perdida no se encontraba perdida, sino a salvo en un templo de Etiopía. Posteriormente han aparecido pruebas arqueológicas que han sustentado esta teoría. Esta teoría se basa en relatos pertenecientes a la iglesia cristiana Copta en Etiopía, que indican que el arca de la Alianza habría sido trasladada secretamente hacía más de 1000 años. Cuenta el libro sagrado de Etiopía, el Kebra Nagast, que en tiempos de Salomón, la Reina de Saba visitó Jerusalén atraída por la sabiduría de su Rey. La Reina de Saba comenzó a ejercer una irresistible atracción sobre el hijo de David, quien pese a sus riquezas e inteligencia no lograba seducir a la bella soberana. Llegaba la hora de que partiera Saba y Salomón consiguió arrancarle una promesa: que en el caso de que se llevase consigo algún bien preciado del reino, consentiría a cambio yacer con él una sola noche. La víspera del viaje, Salomón ofreció a su invitada una cena de exquisitos manjares. Astutamente ordenó que se sazonaran con abundante sal y picantes especias. Tras los postres, la reina tuvo que beber abundante agua para calmar la sed. La reina de Saba cumplió y de aquella única unión nació Menelik I, futuro rey de Etiopía. Relatos indican que años más tarde el joven Menelik fue enviado para recibir educación a casa de su padre en Jerusalén. Pocos años después, a pesar de los esfuerzos de Salomón para que su hijo se quedara, Menelik regresó a Etiopía. La tradición cuenta que, seducido por sus ayudantes, se llevó consigo el arca (algunas teorías postulan que para poder llevarse el arca existió un posible cambio del arca original por el de una copia del arca que Menelik debía llevarse; siendo posiblemente que esa copia sea el arca que se dice fue ocultada en Jordania; otras teorías, en cambio, postulan la posible existencia de dos arcas originales o que tenían la misma importancia, en donde en cada una se guardó posiblemente una de las Tablas de la Ley, siendo una de ellas la que fue llevada a Etiopía). Posteriormente los relatos indican que permaneció primeramente en un templo en la isla de Elefantina del río Nilo. Luego se relata cómo el arca de la Alianza habría sido colocada en una especie de tabernáculo en la isla de Tana Cherkos (Tana Kirkos), ubicada en el lago Tana (lago Tano), donde permaneció durante 800 años. Los relatos señalan que pasado estos 800 años, el rey Ezana de Etiopía decidió trasladar el arca a Axum, siendo finalmente guardada en la Iglesia de Nuestra Señora de Sion. Según los etíopes, es el lugar en donde hasta hoy en día aún permanece y es cuidada por un sacerdote. Este sacerdote, según sus tradiciones, sería un descendiente de uno de los levitas, quienes ayudaban a trasladar y cuidar el arca en sus viajes. Este sacerdote es la única persona a quien se le permite ver el arca de la Alianza guardada en la iglesia de Nuestra Señora de Sion, al igual que ocurría con los levitas según la tradición judía; es por ello que no se ha podido ratificar su permanencia real en esta iglesia, aunque todas las pruebas arqueológicas indicarían que esta teoría sería auténtica. Escondida en el Pozo del Dinero de la Isla del Roble: Una teoría (de la que no hay muchas pruebas) asegura que después de la Tercera Cruzada, los Caballeros Templarios (lo más probable es que haya sido un grupo francés de esta orden) se la habrían llevado a Escocia, donde la familia noble Sinclair los habría ayudado a trasladarla a un lugar más alejado y por tanto más seguro. Este lugar sería una isla cerca de Nueva Escocia llamada Isla del Roble o Oak Island (en inglés). En esa isla se encuentra un pozo, apodado el pozo del dinero, famoso por la inaccesibilidad de su fondo y el misterio que lo rodea, ya que nadie sabe con certeza quién lo construyó o cuándo, aunque se propone que fueron integrantes de la flota naval francesa, cosa que sería viable dada la gran influencia templaria en esa zona.

Iglesia de Santa María de Sion

Oculta bajo el Monte Calvario: Ron Wyatt (1933-1999), un arqueólogo bíblico aficionado famoso por afirmar haber descubierto numerosos lugares y artefactos relacionados con la arqueología bíblica, la ubica en lo que se denomina el Jardín de la Tumba, en el Monte de la Calavera de Jerusalén. Su descubrimiento ha sido desmentido por científicos, historiadores y eruditos bíblicos por varios motivos como la total ausencia de pruebas (grabaciones o fotografías) y dar una descripción demasiado parecida a la ofrecida por el libro del Éxodo, pese a los miles de años transcurridos sin restauración ni mantenimiento alguno, además de discordar con la descripción existente en el Deuteronomio. Sin embargo, el trabajo de Wyatt sigue teniendo algunos seguidores entre grupos fundamentalistas cristianos.

Escondida en el Pozo del Dinero de la Isla del Roble: Una teoría (de la que no hay muchas pruebas) asegura que después de la Tercera Cruzada, los Caballeros Templarios (lo más probable es que haya sido un grupo francés de esta orden) se la habrían llevado a Escocia, donde la familia noble Sinclair los habría ayudado a trasladarla a un lugar más alejado y por tanto más seguro. Este lugar sería una isla cerca de Nueva Escocia llamada Isla del Roble. En esa isla se encuentra un pozo, apodado el pozo del dinero, famoso por la inaccesibilidad de su fondo y el misterio que lo rodea, ya que nadie sabe con certeza quién lo construyó o cuándo, aunque se propone que fueron integrantes de la flota naval francesa, cosa que sería viable dada la gran influencia templaria en esa zona.

Oculta dentro del Templo de Jerusalén: Un grupo de rabinos afirma que tras la caída de Jerusalén, que devino en la destrucción y saqueo del Primer Templo a manos babilónicas, el arca habría sido enterrada en el monte Moriá, donde se habría ubicado el antiguo templo. Según estos religiosos, el cofre sagrado no se menciona entre los tesoros devueltos por los persas, por lo que debió sobrevivir al saqueo al ser enterrado por los levitas. Estos habrían muerto en la caída de la ciudad sin dar la ubicación del arca. Hoy su búsqueda es casi imposible porque en ese sitio se alza el Domo de la Roca. En una entrevista para The Telegraph, el rabino Chaim Richman, director del Instituto del Templo cuya finalidad es fomentar la reconstrucción del Templo de Salomón en Israel, señaló que el Arca del Pacto o Arca de la Alianza estaría oculta a un kilómetro de allí, en cámaras subterráneas, cavadas en los días de Salomón.

Indiana Jones En Busca del Arca Perdida

El Arca de la Alianza tal y como fue representada en la famosa y aclamada película de Indiana Jones En Busca del Arca Perdida (1981).

Fuentes: Enciclopedia Católica Online, Wikipedia, elaboración propia.

 

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Leiden (Países Bajos 🇳🇱), 15 de Julio de 1606 – Amsterdam (Países Bajos 🇳🇱), 4 de Octubre de 1669.

Rembrandt hoy es considerado acertadamente uno de los artistas más importantes de la historia, y sin duda uno de los pintores y grabadores más destacados de todo el Barroco. Dotado de una habilidad prodigiosa para el rretrato, Rembrandt también destacó a la hora de plasmar escenas bíblicas y mitológicas. Con el paso de los años y ya en la madurez, se convirtió en el maestro de otros grandes pintores neerlandeses de su época.

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El pintor en su estudio (1626 – 1628).

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Andrómeda (Circa 1630).

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Autorretrato con capa y ojos muy abiertos (1630).

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Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén (1630).

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El rapto de Europa (1632).

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La lección de anatomía del Doctor Tulp (1632).

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El descendimiento de la cruz (1633).

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La tormenta en el Mar de Galilea (1633).

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Retrato de Johannes Wtenbogaert (1633).

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Artemisa (1634).

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Retrato de Haesje Jacobsdr van Cleyburg (1634).

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El sacrificio de Isaac (1635).

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Saskia como Flora (1635).

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Saskia van Uylenburgh (Circa 1635).

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Sansón cegado por los filisteos (1636).

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Elefante (1637).

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El hijo pródigo en la taberna (Circa 1637).

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Noble polaco (1637).

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Paisaje con puente de piedra (1638).

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La ronda de noche (1642).

Los tres árboles

Los tres árboles (1643).

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Sagrada Familia con ángeles (1645).

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Susana y los viejos (1647).

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El molino (1648).

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León (1650 – 1652).

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El hombre con yelmo dorado (Circa 1650). *En la actualidad este retrato es atribuido a su círculo de aprendices y no al propio Rembrandt.

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Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653).

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Las Tres Cruces (1653).

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El baño de Bathsheba, también Hendrickje, (1654).

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Alejandro Magno (1655).

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Buey desollado (1655).

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Jinete polaco (Circa 1655).

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Autorretrato (1659).

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Asuero y Hamán en la fiesta de Ester (1660).

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Titus, hijo de Rembrandt, vestido como un monje (1660).

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La conspiración de Claudio Civilis (1662).

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Los síndicos del gremio de pañeros (1662).

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El retorno del hijo pródigo (Circa 1662).

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La novia judía (Circa 1667).

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Autorretrato (1669).

 
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Publicado por en 7 junio, 2017 en Arte, Cultura

 

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Stavkirke, iglesias de madera

Stavkirke es una palabra noruega con la que se nombra a un tipo particular de templos cristianos medievales construidos de madera, anteriormente comunes en la Europa del Norte pero en el presente confinados casi exclusivamente en Noruega. Las más antiguas tienen edades superiores a los 800 años.

Durante la Edad Media, se construyeron inmensas catedrales de piedra en muchas partes de Noruega pero también se usó una técnica similar para construir en madera. Gracias al interés de los vikingos por la construcción de barcos y viviendas, la técnica y la tradición de la talla de madera se desarrollaron aún más, culminando el trabajo culminó con las stavkirke. Hay varios tipos de iglesias de madera, pero una cosa que tienen en común son los postes angulares (stav) y un marco de madera con tablones que se aguantan sobre soleras que a su vez se halla asentado sobre cimientos de roca, protegiendo a la madera de la humedad. La técnica relaciona a las stavkirke con el entramado de madera, y les confiere, además de resistencia a las condiciones climáticas, estabilidad y rigidez. Estas paredes se conocen como paredes stav, y de aquí el nombre de stavkirke. Las puertas y remates de madera de estas iglesias fueron bellamente talladas. Las decoraciones en el interior incluyen una interesante combinación de motivos cristianos y lo que se presume son temas Vikingos pre-cristianos con animales y dragones.

La planta de las stavkirke más sencillas se divide en una nave y un coro, mientras las más evolucionadas se asemejan a las basílicas románicas, con el techo escalonado y pilares en el interior de la nave. Esa similitud, además de la decoración escultórica y pictórica, ha hecho suponer que las stavkirke tienen sus orígenes en el arte románico, pero esta teoría no es compartida por varios expertos. En la actualidad, quedan en pie 28 stavkirke medievales en Noruega, una en Suecia y una más en Polonia (esta última de origen noruego). Entre las más conocidas figuran la Iglesia de Borgund, de espectacular diseño y la mejor representante del género, y la Iglesia de Urnes, probablemente la más antigua y un descollante ejemplo del arte decorativo nórdico, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Las stavkirke llegaron a ser comunes durante la Edad Media en el Noroeste de Europa. Sólo en Noruega, se considera que existieron en un número aproximado de 2000. El número de stavkirke construidas en otras partes de Europa y en Islandia se desconoce. Anteriormente, se creía que las stavkirke habían sido el primer tipo de templos cristianos construidos en Escandinavia, pero ahora se sabe de la existencia de una forma más antigua, las llamadas iglesias de postes, si bien las diferencias entre ambos tipos de templos llega a ser bastante pequeña. Las stavkirke fueron consideradas obsoletas desde la Edad Media y se reemplazaron casi en su totalidad. En Noruega, no fueron reemplazadas tan rápido como en otros lugares de Europa, y varias de ellas alcanzaron el Siglo XIX.

La materia prima más común para la construcción de las stavkirke fue la madera de pino (Pinus sylvestris). Para la construcción del armazón se utilizaron pinos bastante crecidos, cuyos troncos tuvieran un diámetro lo suficientemente grande y con abundante duramen en su madera. El duramen se halla impregnado de resina de manera natural, evitando la infección por agentes biológicos. En otros lugares se utilizaron otras especies vegetales. En Dinamarca, el norte de Alemania e Inglaterra se utilizó principalmente la madera de encino. La iglesia sueca de Hedared también fue construida con encino.

Algunos investigadores sugieren que las stavkirke son resultado de un intento de trasladar la arquitectura de las iglesias románica en piedra a la madera, pero esta teoría no ha resultado ser muy respaldada, ya que si bien existen elementos decorativos similares, el método de construcción es muy distinto. Una teoría respecto al origen de las stavkirke que parece más fundamentada es la que nos dice que muchas de estas iglesias fueron templos paganos en sus inicios o se construyeron sobre antiguos edificios de culto pagano, como es el caso de la Iglesia de Mære. 

Decoración de las stavkirke de Urnes y Tønjum e interior de la stavkirke de Borgund (Izquierda a derecha).

Las stavkirke se clasifican en dos tipos:

Tipo A: En la base de las iglesias Tipo A hay cuatro soleras sobre un cimiento de rocas poco profundo. Estas soleras están interconectadas entre sí por muescas y espigas en sus extremos, formando un marco cuadrado rígido. Los postes esquineros (stav) se cortaban en cruz en su extremo inferior, y la espiga resultante se colocaba sobre una muesca en cada esquina del marco de soleras. En el lado superior de las soleras hay un surco en el que están colocados verticalmente los tablones (veggtilene) de los muros a manera de cuñas. El armazón de la iglesia se terminaba con una solera superior (stavlægje) con un surco en su lado inferior, en el que se introducía el extremo superior de los tablones de los muros. Las soleras superiores sostienen la armadura del techo; ésta consiste de un sistema en tándem formado por un par de cabrios principales (taksperre), que dan la inclinación al techo y sostienen el travesaño, y un par adicional de vigas en tijera (saksesperre), que funcionan como puntales de los cabrios. Tanto cabrios como vigas de tijera parten de un mismo punto en la solera superior. Además, hay viguetas perpendiculares que conectan a cada cabrio con el del lado opuesto; el resultado es una especie de celosía bastante rígida. Las stavkirke de Tipo A se subdividen a su vez en tres subgrupos.

  • Sencillo. Tienen una nave rectangular y un coro más pequeño casi cuadrado. Fue el estilo más común en el siglo XII. Las stavkirke de Haltdalen y Hedared pertenecen a este tipo. Algunas de estas sencillas iglesias fueron derribadas en algún momento y reconstruidas en iglesias alargadas.
  • De poste central. Tienen en el centro de la nave un poste bastante largo que alcanza la armadura del techo. Esta variación está representada en Numedal y Hallingdal y data aproximadamente de 1200. Las únicas tres stavkirke de este tipo en la actualidad son Høyjord, Nore y Uvdal.
  • Alargado. Las iglesias alargadas tienen un plano rectangular con nave y coro de la misma anchura; regularmente, la nave ocupa dos tercios de la longitud total. Hay además postes intermedios en los muros. A diferencia de otras stavkirke, tienen viguetas sobre la nave, donde inicia el techo, como si formaran parte del armazón de un plafón. Pueden tener también puntales exteriores que conectan a los muros con el suelo del exterior, como las iglesias de Kvernes y Rødven (aunque no se sabe con certeza si sus puntales son originales).

Tipo B: Estas iglesias fueron llamadas anteriormente iglesias de tres naves para distinguirlas de las de Tipo A, de nave única. Esa denominación empleada, entre otros, por Lorenz Dietrichson, ha caído en desuso, pues implicaba que las stavkirke tenían una nave central y dos laterales, es decir, una disposición de basílica. Sin embargo, lo característico de las stavkirke con sala central es un deambulatorio (omgang), que rodea a la sala central (mitrom) por los cuatro costados, a diferencia de las naves laterales. En todo caso, las stavkirke muestran cierta similitud con las iglesias de planta central, con la diferencia que la sala central de las stavkirke es siempre rectangular. Sobre los cimientos de piedra hay cuatro gruesas vigas de madera (grunnstokker) que se cruzan entre sí y forman un rígido armazón en forma de un signo #. Cada viga se extiende entre 1 – 2 metros más allá del punto de intersección. Los extremos de las vigas sostienen las soleras de los muros exteriores, formando un marco cuadrado horizontal independiente del marco cuadrado central formado por las vigas gruesas. Los postes de la sala central se colocan en el cuadro central y son los encargados de sostener el techo elevado de la sala central. En el marco horizontal exterior de soleras reposan las cuatro paredes de tablones con sus postes esquineros, que son las que sostienen el techo bajo del deambulatorio que rodea a la sala central. Así, dando una impresión de basílica, el techo queda dividido en 2 niveles y la sala central y el deambulatorio permanecen divididos por hileras de postes a manera de pilares. Los postes de la sala también se conectan a las soleras superiores de los muros por medio de vigas, lo que le da a la iglesia rigidez lateral. Casi en la cima de los postes se insertan entre éstos las soleras superiores para soportar los muros de la sala central, que quedan en contacto con el exterior. En el extremo superior de los muros de la sala se coloca un tercer marco de soleras, del que parten las vigas del techo, en una disposición similar a las stavkirke de Tipo A. Las stavkirke de Tipo B se subdividen a su vez en dos subgrupos.

  • Grupo Kaupanger: Donde los postes de la sala central forman una arcada y su ornamentación, por ejemplo los capiteles, parece inspirada en el arte románico. Parte de este grupo son las iglesias de Kaupanger, Urnes, Hopperstad y Lom.
  • Grupo Borgund: En estas iglesias los postes centrales se interconectan entre sí a través de tirantes en forma de X («cruces de San Andrés»), que se distribuyen en la parte intermedia del alzado central. El nivel de las cruces se asemeja al triforio de las basílicas de piedra (sobre las cruces hay además un nivel de arcaturas decorativas, como en los triforios). Además, por abajo y por arriba de este «triforio» puede haber maderos horizontales en forma de cepos (tang) que mantienen rígidos a los postes. La rigidez resultante hace posible omitir la parte inferior de los postes de la sala, como sucede en algunas stavkirke donde sólo los cuatro postes esquineros se conectan con el piso (ver la imagen de la iglesia de Gol). Forman parte de este subgrupo las iglesias de Borgund, Gol, Hegge, Høre, Lomen, Ringebu y Øye.

Noruega 🇳🇴

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Iglesia de Borgund (Finales del Siglo XII).

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Iglesia de Flesberg (Circa 1200).

Iglesia de Fortun o Fantoft (Circa 1150, quemada el 6 de Junio de 1992 y reconstruida completamente en 1997).

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Iglesia de Gol (1212).

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Iglesia de Haltdalen (1170 – 1179).

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Iglesia de Heddal (Segunda mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Hopperstad (1140).

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Iglesia de Høre (1180).

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Iglesia de Høyjord (Segunda mitad del Siglo XII).

Iglesia de Kaupanger (1190).

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Iglesia de Kvernes (Segunda mitad del Siglo XIV).

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Iglesia de Lom (1158).

Iglesia de Nore (1167).

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Iglesia de Øye (Segunda mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Ringebu (Primer cuarto del Siglo XIII).

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Iglesia de Rødven (Circa 1200).

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Iglesia de Torpo (1192).

Iglesia de Undredal (Mitad del Siglo XII).

Iglesia de Urnes (Primera mitad del Siglo XII).

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Iglesia de Uvdal (1168).

Suecia 🇸🇪

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Iglesia de Hedared (Circa 1500).

Polonia 🇵🇱

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Iglesia de Vang (Circa 1200, reubicada en 1842).

Fuentes: Wikipedia, Visitnorway.es, Google (fotografías), elaboración propia.

 
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Publicado por en 17 mayo, 2017 en Arte, Cultura, Historia

 

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Prerrafaelismo y Pintura Victoriana

A mitades del Siglo XIX, al inicio del reinado de la reina Victoria, la pintura inglesa está estancada en las convenciones académicas y se encuentra en un callejón sin salida creativo. En reacción, tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, Hunt, Millais y Rossetti, fundan la cofradía prerrafaelita. Ambicionan crear una nueva pintura, refiriéndose ya no al Renacimiento, sino al arte medieval; aquel anterior a Rafael, libre y auténtico, siguiendo, para ello, los preceptos del influyente teórico victoriano, John Ruskin. Sus cuadros son coloridos, conllevan múltiples símbolos y referencias literarias, sensibles a la naturaleza y a las cuestiones sociales.

La cofradía se disuelverápidamente, pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia inglesa, durante cerca de cincuenta años. La segunda generación, dominada por Edward Burne-Jones y William Morris, aplica los principios prerrafaelitas a la decoración, al mobiliario y a la ilustración de libros. Más allá de Inglaterra, en particular el universo de Burne-Jones, tendrá una profunda influencia en la corriente simbolista.

Historia del movimiento prerrafaelita.

Movimiento artístico, exclusivamente británico, el prerrafaelismo nació en Londres, en la sociedad victoriana de finales de los años 1840. Tres jóvenes estudiantes de la Royal Academy, son sus iniciadores. Se llaman William Holman Hunt (1827 – 1910), John Everett Millais (1829 – 1896) y Dante Gabriel Rossetti (1828 – 1882).

En dicha época, la pintura británica se encuentra en un callejón sin salida, presa de las convenciones estrictas, y sometida a los gustos de una clientela con afán de costumbrismo, que conlleve a menudo una moral o un sentimentalismo cursi. Arte vulgar para los tres estudiantes, en rebeldía, que desean “hacer renacer, en la mente de la gente, una buena reflexión”, decía Millais, mediante cuadros que eleven al espectador.

Según ellos, la enseñanza académica, incapaz de liberarse de las normas estéticas procedentes del Renacimiento, es directamente responsable de esta esclerosis creativa. Su grupo se amplia rápidamente, con cuatro nuevos miembros, de perfiles muy distintos: Thomas Woolner (1825 – 1892), escultor y poeta; James Collinson (1825 – 1881), estudiante de la Royal Academy; William Michael Rossetti (1829 – 1919), el hermano de Dante Gabriel y funcionario de hacienda de la época; Frederick Georges Stephens (1828 – 1907), estudiante en pintura, de poco talento, que se orientará posteriormente hacia la escritura y la crítica de arte.

Nacimiento de la cofradía prerrafaelita.

Juntos fundan, en 1848 la Pre-Raphaelite Brotherhood (cofradía prerrafaelita). La elección de este nombre recuerda que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael (1483 – 1520), La Transfiguración (1518 – 1520, museos del Vaticano), del que Hunt decía que “debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud, poco espiritual del Salvador”. Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico. El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos, es el que designan como modelo de pureza y de libertad.

Más allá de una mera reacción a la enseñanza académica, los orígenes del prerrafaelismo solo se pueden comprender situándolos en el contexto político e intelectual de la época. En 1848, toda Europa está atravesada por movimientos revolucionarios; la ola del Gothic Revival conoce en la Inglaterra del Siglo XIX, una amplitud sin parangón; el crítico de arte y teórico John Ruskin (1819 – 1900) ejerce una influencia preponderante, en la sociedad victoriana. Ruskin preconiza una visión profundamente moral del arte, al que otorga un protagonismo social. Sitúa la práctica artesanal por encima de cualquier reacción a la industrialización floreciente, y propone un concepto poético y místico de la naturaleza, ésta teniendo que ser representada de manera directa y sincera. Cuantas teorías a las que se adhieren Hunt, Millais y Rossetti, sin reservas.

P.R.B. (Pre-Raphaelite Brotherhood).

Dejándose llevar por el entusiasmo de sus veinte años, los jóvenes prerrafaelitas logran superar el carácter confuso y a veces ingenuo, de su programa, así como sus diferencias de temperamento y de estilo. Sus primeras obras, radicadas bajo el sello del prerrafaelismo, desvelan al público la existencia y el espíritu del movimiento cuya influencia va a demostrarse ser inmensa.

A partir de 1849, aparecen en algunas exposiciones londinenses, cuadros que llevan, bajo la firma del autor, el monograma P.R.B. (Pre-Raphaelite Brotherhood), del que no se desvela el significado. Rossetti presenta en primer lugar La infancia de la Virgen durante la Free Exhibition, de Hyde Park Corner, y posteriormente, lo expone de nuevo, en la Royal Academy durante el verano, junto a Isabella de Millais y Rienzi de Hunt.

En cuanto a la técnica, estos cuadros coinciden por la gran vivacidad de los coloridos, un realismo exacerbado que pretende ser una reproducción exacta de la naturaleza y una gran libertad, otorgada a las poses de los personajes. Todo ello acompañado por sabias referencias religiosas, literarias y poéticas. Los tres cuadros mostrados en la Royal Academy encuentran compradores, y la crítica se muestra más bien benevolente.

Alentados por estos comienzos, los miembros de la cofradía publican una revista, The Germ, cuyo objetivo es de “enunciar las ideas de aquellos que apoyan una estricta adhesión a la sencillez de la Naturaleza en el Arte o en la Poesía”. Solo se tiran cuatro números, entre enero y abril de 1850, pero The Germ procura sin embargo a la cofradía una visibilidad pública más importante y fragiliza el secreto, con el que los miembros quieren rodearse. Se desvela, además, el significado de las tres enigmáticas letras, P.R.B., en un artículo del Illustrated London News el 4 de Mayo de 1850.

Del rechazo al reconocimiento.

Posteriormente, la acogida reservada a los prerrafaelitas es hostil. Son el objeto de virulentos ataques, con motivo de las exposiciones de 1850 y de 1851: Se les reprocha su tratamiento trivial de los temas sacros (en particular El Cristo en casa de sus padres de Millais) ) y al final, no se les perdona su rechazo de la idealización. Sin embargo, algunas simpatías se manifiestan. Reciben en particular el apoyo de Ruskin y el refuerzo de nuevos miembros como Charles Allston Collins (1828 – 1873), Arthur Hugues (? – ?) o Walter Deverell (1827 – 1854).

En 1852, empiezan a aparecer en la pintura prerrafaelita, temas contemporáneos de dimensión social, lo que también, corresponde a una de las principales preocupaciones de Ruskin. Pero son los temas literarios que, dicho año, van a proporcionar un verdadero reconocimiento. Nutriendo su inspiración en la obra de Keats, Tennyson o Shakespeare, los prerrafaelitas se enmarcan en una tradición cultural nacional y logran hacer aceptar sus atrevimientos estéticos. Una vez más, es un cuadro de Millais que simboliza la nueva consideración de la que disfruta el grupo. Con su Ofelia, realiza una obra totalmente prerrafaelita (naturalismo meticuloso, colores tornasolados, símbolos complejos, tema literario que rompe con las representaciones clásicas). En cuanto aparece, tanto la crítica como el público ensalzan Ofelia.

La segunda generación.

Pero el éxito llega cuando la unidad de la cofradía se quebranta, cada miembro siguiendo un camino distinto: Woolner se embarca para Australia en 1852, Millais fue elegido en la Royal Academy en 1853, Hunt parte para Tierra Santa en 1854… A partir de noviembre de 1853, D. G. Rossetti escribía a su hermana: “La Mesa Redonda está ahora totalmente disuelta”. Sin embargo, aunque la cofradía desaparezca, los ideales prerrafaelitas empiezan a tener émulos, en todo Reino Unido y traspasan el marco de la pintura.

Esta “segunda generación prerrafaelita” está simbolizada por los trabajos de Edward Burne-Jones (1833 – 1898) y de William Morris (1834 – 1896). Unidos por una misma pasión por la cultura medieval, ambos hombres habían estrechado vínculos de amistad en los bancos del Exeter College de Oxford, a comienzos de la década de 1850. Unos cuantos años más tarde, Morris se orienta hacia una carrera de arquitecto y le presentan a D. G. Rossetti., convertido en el profesor de pintura de Burne-Jones. El trío Realiza varios proyectos decorativos en común (Red House de Bexley, Oxford Union, etc.) que dan un nuevo impulso y una nueva dirección al prerrafaelismo.

Paulatinamente, se abandona la vena medieval; el propio Ruskin estaba inquieto de ver como esta obsesión por la Edad Media, alejaba a los artistas de la naturaleza. Fue hacia el arte italiano, y Boticelli en particular, hacia el que se giran de ahora en adelante Burne-Jones y Rossetti. Por fin, Jane Burden (1839 – 1914) y Elizabeth Siddal (1829 – 1862), quienes se casarán respectivamente con Morris y Rossetti, se convierten en las verdaderas musas del movimiento, proporcionándole una dimensión más sensual.

Posteridad.

Bien arraigado en el paisaje artístico inglés, el prerrafaelismo extiende su influencia hasta finales del Siglo XIX. Lo encontramos en fotografía, con las obras de Julia Margaret Cameron (1815 – 1879) o Roger Fenton (1819 – 1869) y es una de las principales fuentes del arte de la ilustración en Reino Unido. Preside también el desarrollo del Aesthetic Movement, en los años 1870. Y se confunde con algunas corrientes del simbolismo. Gracias a William Morris, jefe de fila del movimiento Arts and Crafts, el prerrafaelismo se encarna de un modo preponderante en las artes decorativas, hasta retumbar en la exaltación de las líneas femeninas y vegetales del Art Nouveau.

Aunque Burne-Jones no forme parte de los miembros fundadores de la cofradía, y que desatienda la dimensión social, militante y realista, deseada por Hunt, Millais y Rossetti, se convierte, a lo largo del tiempo, en la figura más destacada del movimiento. Su obra realizando el vínculo, entre las ambiciones de los orígenes, y todas las evoluciones posteriores. El movimiento se extingue poco a poco, junto con su siglo: D. G. Rossetti muere en 1882, Millais y Morris en 1896, Burne-Jones en 1898. Hasta el final, habrán podido ver sus ideas reutilizadas y adaptadas, por artistas más jóvenes, como el pintor John William Waterhouse (1849 – 1917) y el ilustrador Aubrey Beardsley (1872 – 1898).

Obras selectas.

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James Collinson – Madre e hija con el acantilado de Culver y la Isla de Wight a lo lejos (1849 – 1850).

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John Everett Millais – Mariana (1851).

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William Holman Hunt – El pastor distraído (1851).

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James Collinson – El plan de emigración (1852).

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John Everett Millais – Ofelia (1852).

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Arthur Hughes – Amor de Abril (Circa 1855).

John William Inchbold – Un estudio, Marzo (1855).

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Henry Wallis – La muerte de Chatterton (1856).

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John Brett – Valle de Aosta (1858).

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Ford Madox Brown – La chica irlandesa (1860).

Dante Gabriel Rossetti – Venus Verticordia (1863 – 1868).

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Frederick Sandys – Morgana Le Fay (1864).

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Frederick William Burton – Encuentro en las escaleras de la torre (1864).

John Everett Millais – Juana de Arco (1865).

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Simeon Solomon – Amor en otoño (1866).

La Ghirlandata

Dante Gabriel Rossetti – La Ghirlandata (1871 – 1874).

Proserpina

Dante Gabriel Rossetti – Proserpina (1874).

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Emma Sandys – Fiammetta (1876).

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Edward Burne-Jones – La seducción de Merlín (1878).

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Evelyn de Morgan – Noche y sueño (1878).

William Holman Hunt – Amaryllis (1884).

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Marie Spartali Stillman – Mensajero del amor (1885).

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Lawrence Alma-Tadema  – Las rosas de Heliogábalo (1888).

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Valentine Cameron Prinsep – Ante la primera caricia del invierno, el verano se desvanece (1897).

Lady Godiva

John Maler Collier – Lady Godiva (Circa 1897).

Herbert James Draper - El lamento de Ícaro

Herbert James Draper – El lamento de Ícaro (1898).

Ariadne

John William Waterhouse – Ariadna (1898).

Gruta de las Ninfas de la Tempestad

Edward John Poynter – Gruta de las Ninfas de la Tempestad (1903).

Eleanor Fortescue-Brickdale - El pequeño pie de página

Eleanor Fortescue-Brickdale – El pequeño pie de página (1905).

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William Holman Hunt – La Dama de Shalott (1905).

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Edward Robert Hughes – Noche con su séquito de estrellas (1912).

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Frank Cadogan Cowper – Vanidad (Desconocida).

Galerías:

Dante Gabriel Rossetti

Sir Edward John Poynter

John William Waterhouse

John Maler Collier

Fuentes: Museo d’Orsay (Historia de la pintura prerrafaelista), elaboración propia.

 
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Publicado por en 5 abril, 2017 en Arte, Cultura

 

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The Hands Resist Him, la pintura maldita

The Hands Resist Him (Las manos lo resisten) es un óleo sobre lienzo, pintado en 1972 por Bill Stoneham, nacido en Oakland, California (Estados Unidos). En el cuadro destacan un niño y una muñeca de pie delante de una puerta con paneles de vidrio, contra la cual se aprecian manos presionando hacia dentro (las manos están del otro lado de donde se encuentran los niños). Según el artista, el niño está inspirado en una fotografía de sí mismo a los cinco años y la puerta es una representación de la línea divisoria entre el mundo de la vigilia y el mundo de la fantasía y lo imposible, mientras que la muñeca es una guía que le acompañará al niño. Las manos representan vidas o posibilidades alternativas.

La pintura adquirió cierta fama cuando se “viralizó” por Internet mediante una leyenda urbana surgida en torno a ella, cuando fue vendida en Febrero del año 2000 en el sitio web de ventas eBay debido a la peculiar descripción que la vendedora realizó sobre dicho artículo.

El artista William Stoneham pintó este cuadro en 1972 dentro del contrato que tenía con un galerista de arte para producir dos pinturas al mes por 200 dólares cada una. Inspirado por un poema que acababa de escribir su mujer, “Las manos lo resisten”, Stoneham por inspiración visual utilizó una fotografía que habían realizado sus padres adoptivos y en la que se observaba al propio Stoneham de niño junto a una niña pequeña del vecindario, ambos de pie junto a una puerta de vidrio. En la pintura, la niña aparecía representada como una muñeca con rostro cuanto menos inquietante, sin ojos y agarrando un extraño artilugio.

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Bill Stoneham de niño junto a una vecina.

En 1974 Stoneham vendió el cuadro a John Marley, conocido actor que aparece en El Padrino (The Godfather, 1972), encarnando al personaje que se despierta con una cabeza de caballo decapitada dentro de su cama, escena que se convirtió en una de las más famosas del cine del Siglo XX. Entre 1978 y 1984, Charles Feingarten, dueño de la galería que había contratado a Stoneham, así como Henry Seldis, crítico de arte (que había mencionado dicha pintura en Los Angeles Times) y el propio John Marley fallecieron. Tres personas que de un modo u otro habían tenido una relación estrecha con el cuadro y su autor.

Se perdió la pista de la pintura por un tiempo hasta que repentinamente reapareció en la trastienda de una fábrica de cerveza en California. Concretamente en el año 2000, el cuadro apareció de nuevo en un anuncio de eBay, acompañado por una descripción en la que se mencionaban multitud de hechos extraños relacionados con el mismo. Se decía lo siguiente en el anuncio: “Cuando recibimos la pintura, pensamos que se trataba de una obra de arte realmente buena”, detalló el vendedor en eBay. “Un anticuario la había encontrado abandonada en la trastienda de una vieja fábrica de cerveza. Inmediatamente nos preguntamos qué era lo que había conducido al abandono de una obra de arte de tan obvia calidad. Ahora… lo sabemos. Una noche, nuestra hija de 4 años, muy asustada, nos pidió dormir en nuestra habitación. Nos dijo que los niños que aparecen en la pintura… se estaban peleando”.

El padre terminó colocando una cámara sensible al movimiento enfocada al cuadro y según su propio testimonio: “Pude ver cómo el niño de la pintura se movía”. “Las dos últimas imágenes muestran como la muñeca cobra vida y usa un “arma” para forzar al niño a abandonar la pintura”, según informó el vendedor en 2002 a los medios de comunicación. Se afirmaba que el cuadro podría llegar a cambiar la vida de su propietario. Ante estas advertencias, el vendedor recibió infinidad de ofertas, así como mensajes en el que se le decía que sólo con ver el cuadro en el propio anuncio, habían sucedido fenómenos paranormales.

La extraña y controvertida obra de arte fue finalmente vendida por 1.025 dólares a Kim Smith, propietario de una galería de arte en Grand Rapids, (Michigan, Estados Unidos) donde aún hoy permanece. El propio Kim Smith aseguró tras comprar la pintura: “Me gustaría poder informar de sucesos extraños o escribir sobre posesiones debido al mal que reside en la pintura. Pero no es así, no he sido testigo de nada parecido, aunque debo decir que he recibido miles de correos electrónicos que me sugerían oraciones de liberación, consejos de como limpiar mi casa de las energías negativas, incluso la ayuda desinteresada de un chamán nativo americano de Mississippi. Pero yo creo que todo es fruto de la mente”.

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The Hands Resist Him (1974).

La obra solamente se ha mostrado al público en seis ocasiones desde entonces, creando siempre una gran perturbación entre los asistentes al evento, principalmente en el 2007. “Sólo pasó veinte segundos, y únicamente había silencio”, dijo Smith. Y entonces alguien afirmó: “Eso es espeluznante”, aseguró Smith a los medios de comunicación. A pesar de haber recibido cuantiosas sumas de dinero (algunas incluso de 6 cifras) por el cuadro, Smith hasta la fecha ha rechazado todas.

El autor de la pintura, Bill Stoneham, sigue recibiendo correos electrónicos de personas que aseguran sentirse mal o sufrir fenómenos extraños después de ver imágenes de la pintura en Internet. “Vivimos en una era de ciencia, duras realidades y hechos concretos, pero todavía nos sentimos atraídos por el misterio”, dijo Stoneham. “¿Y qué es más misterioso que las pinturas? Más que cualquier otro objeto, las pinturas son una especie de cosa creada por alguien usando sus manos. Y a veces, esas manos crean algo que aterroriza a la gente durante décadas”.

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Autorretrato de Bill Stoneham.

Recientemente en el año 20016, Darren Kyle O`Neill, autor del libro The Hands Resist Him: Be Careful What You Bid For, afirma que tras haber impreso una imagen del cuadro que depositó al lado de otros documentos, marchó de viaje a Italia durante un mes. A la vuelta, el aire acondicionado de la casa se había torcido y todo en la habitación tenía moho verde; la televisión, la cama, las hojas, la ropa de su hija, etc. Pero al lado de las hojas teñidas de verde, la única cosa que estaba en perfectas condiciones era la reproducción del cuadro. ¿Una manera curiosa de publicitar su libro o testimonio real acerca de otro suceso extraño más relacionado con la pintura?, este curioso misterio perdura todavía.

Fuentes: Wikipedia, mundoesotericoparanormal.com, the-line-up.com, elaboración propia.

 

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Biblioteca del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

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Sabiduría y conocimiento de siglos en papel y tinta añeja.

Fotografía y retoques por La Exuberancia de Hades (Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial).

 

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